Samostatné fragmenty zahrnuté do konečného korpusu diela boli napísané už v roku, ale omša ako celok bola dokončená až koncom roku 1738. Vo svojej konečnej podobe, nikdy neuvedenej počas Bachovho života, existuje odvtedy 1749.
Autogram prvého listu "Credo".
Štruktúra hmoty
I. Kyrie- Kyrie eleison- Pane zľutuj sa. 5-hlasný zbor (soprán I, II, alt, tenor, bas)
- Christe eleison- Kriste, zmiluj sa. Duet (soprán I,II)
- Kyrie eleison- Pane zľutuj sa. 4-hlasný zbor (soprán, alt, tenor, bas)
- Gloria in excelsis Deo- Sláva Bohu na výsostiach. 5-hlasný zbor (soprán I, II, alt, tenor, bas)
- Et in terra pax A mier na zemi. 5-hlasný zbor (soprán I, II, alt, tenor, bas)
- Laudamuste- Chválime ťa. Aria (soprán II)
- Gratias agimus tibi- Ďakujem. 4-hlasný zbor (soprán, alt, tenor, bas)
- Domine Deus- Pane Bože. Duet (soprán I, tenor)
- Qui tollis peccata mundi- Prijímanie hriechov sveta. 4-hlasný zbor (soprán II, alt, tenor, bas)
- Qui sedes ad dexteram Patris- Ten, ktorý sedí po pravici Otca. ária (alt)
- Quoniam tu solus sanctus Lebo Ty jediný si Svätý. Aria (basgitara)
- Cum Sancto Spiritu- S Duchom Svätým. 5-hlasný zbor (soprán I, II, alt, tenor, bas)
- Credo in unum Deum- Verím v jedného Boha. 5-hlasný zbor (soprán I, II, alt, tenor, bas)
- Patrem všemocným- Otče všemohúci. 4-hlasný zbor (soprán, alt, tenor, bas)
- Et in unum Dominum- A v jedinom Pánovi (Ježišovi Kristovi). Duet (soprán I, alt)
- Et incarnatus est- A inkarnovaný. 5-hlasný zbor (soprán I, II, alt, tenor, bas)
- Crucifixus- Ukrižovaný. 4-hlasný zbor (soprán II, alt, tenor, bas)
- a znovuzrodenie- A vzkriesený. 5-hlasný zbor (soprán I, II, alt, tenor, bas)
- Et in Spiritum Sanctum- A v Duchu Svätom. Aria (basgitara)
- Konfitor- Priznávam sa. 5-hlasný zbor (soprán I, II, alt, tenor, bas)
- A očakávať- Čaj (vzkriesenie mŕtvych). 5-hlasný zbor (soprán I, II, alt, tenor, bas)
- Sanctus- Svätý je Pán zástupov. 6-hlasný zbor (soprán I, II, alt I, II, tenor, bas)
- Hosanna- Hosanna na výsostiach. 8-hlasný (dvojhlasný) zbor (soprán I, II, Alto I, II, Tenor I, II, Bas I, II)
- Benedictus- Požehnaný. Aria (tenor)
- Hosanna (da capo)- Hosanna (koniec). 8-hlasný (dvojhlasný) zbor
- Agnus dei- Ovečka Božia. ária (alt)
- Dona nobis pacem- Daj nám pokoj. 4-hlasný zbor (soprán, alt, tenor, bas). Hudba opakuje „Gratias agimus tibi“ z „Gloria“.
Významní umelci
Odkazy
- Helmuth Rilling Mass h moll (Flash)
Nadácia Wikimedia. 2010.
- Mezopotámska kampaň
- Messapiánsky jazyk
Pozrite sa, čo je „omša h mol“ v iných slovníkoch:
omša (hudobné dielo)- Simone Martini "Náboženský spev na omši" Tento výraz má iné významy, pozri omša. Omša je hudobné dielo, ktoré ... Wikipedia
omša- uh 1) Katolícka omša, hlavná bohoslužba katolícky kostol. Sláviť rannú omšu. 2) Hudobné viachlasné zborové dielo založené na texte tejto bohoslužby. Beethovenova slávnostná omša. Etymológia: požičané od ... ... Populárny slovník ruského jazyka
B mol- Symbol tóniky akordu: h, Hm Paralelná tónina: D dur Dominantná tónina: fis moll / Fis dur Subdominantná tónina: e moll Prirodzená molová stupnica: h cis ^ d e fis ^ g a h Harmonická molová stupnica: h cis ^ ... Wikipedia
Requiem c mol (Cherubini)- Requiem c mol pre miešaný zbor a orchester, zádušná omša (lat. Requiem) Luigiho Cherubiniho, skomponovaná v roku 1816. Luigi Cherubini ... Wikipedia
Zoznam skladieb Johanna Sebastiana Bacha- Husľová sonáta g mol (BWV 1001), Bachov rukopis Dnes je známych viac ako 1000 hudobnín Johanna Sebastiana Bacha. Nižšie je ... Wikipedia
Bach, Johann Sebastian- Johann Sebastian Bach Johann Sebastian Bach Portrét Bacha (1746) Os ... Wikipedia
BACH- najväčšia nemecká hudobná dynastia. Johann Sebastian Bach je najväčší, no ani zďaleka nie posledný z jeho predstaviteľov. Vďaka genealógii, ktorú zostavil Johann Sebastian, možno vystopovať históriu rodiny, ktorá žila v strednom Nemecku, až do ... ... Collierova encyklopédia
J. S. Bach
Johann Bach- Johann Sebastian Bach Johann Sebastian Bach Portrét Bacha (1748) Dátum narodenia 21. marec 1685 (16850321) Miesto narodenia Eisenach ... Wikipedia
Yurlov štátny akademický zbor Ruska- svetoznámy tím, jeden z najstarších v Moskve. Jeho história siaha až k amatérskemu zboru riaditeľa zboru Ivana Jukhova, ktorý vznikol na prelome 19. a 20. storočia. Osudovou udalosťou v histórii mužstva bolo vymenovanie v roku 1958 do funkcie jeho vodcu Alexandra Yurlova (1927-1973). V 60. rokoch 20. storočia pod vedením vynikajúceho zbormajstra postúpila Capella medzi najlepšie hudobné skupiny v krajine. Zbor spolupracuje s renomovanými skladateľmi Georgijom Sviridovom a Dmitrijom Šostakovičom a stal sa prvým interpretom diel Vladimíra Rubina a Rodiona Ščedrina. Nástupcami Alexandra Yurlova sa stali talentovaní hudobníci, dirigenti-zbormajstri Jurij Ukhov a Stanislav Gusev, ktorí urobili veľa pre zvýšenie slávy kolektívu.
Od roku 2004 vedie Capellu Gennadij Dmitryak, ctený umelecký pracovník Ruska, profesor, jeden z popredných ruských zborových a operných a symfonických dirigentov. Pod jeho vedením sa Capella opäť posunula do popredia koncertného života v krajine, začala realizovať veľké kreatívne projekty. Medzi nimi sú hudobné festivaly „Kremeľ a chrámy Ruska“, „Svätá láska“, ktoré oživujú tradície vzdelávacích vokálnych a zborových koncertov. V roku 2016 zbor v rámci festivalu Kremeľ a chrámy Ruska koncertoval v Moskve, Nižnom Novgorode, Veľkom Novgorode, Jaroslavli, Pskove a Kostrome.
Geografia turné Capella pokrýva celé územie Ruska od Magadanu po Kaliningrad - mesto Zlatého prsteňa, región Volga, Ural a Sibír. Koncerty v Španielsku, Grécku, Veľkej Británii, Bielorusku, Arménsku, Poľsku, Ukrajine, Severnej Kórei a pobaltských krajinách mali obrovský úspech. Súbor je pravidelným účastníkom Moskovského veľkonočného festivalu, Veľkého festivalu Ruského národného orchestra, Medzinárodného festivalu Mstislava Rostropoviča, Medzinárodného festivalu zborových zhromaždení, festivalov v Španielsku, Grécku, Poľsku, Litve a ďalších významných podujatí. Na jar 2014 sa Capella aktívne podieľala na príprave a konaní XXII. zimných olympijských hier a XI zimných paralympijských hier v Soči.
Medzi symfonických dirigentov pracujúcich s Capellou patria Valery Gergiev, Jurij Bashmet, Michail Pletnev, Sergej Skripka, Dmitrij Jurovskij, Vladimir Jurovskij, Alexander Sladkovskij, Pavel Kogan, Teodor Currentzis. Repertoár zboru zahŕňa takmer všetky diela žánru kantáta-oratorium ruskej a západoeurópskej hudby – od Bachovej omše h mol až po diela Brittena, Bernsteina, Schnittkeho, Kancheliho, Tavenera. Veľkým projektom Capella v posledných rokoch bola štúdiová nahrávka Antológie zborovej tvorby Georgyho Sviridova, venovaná 100. výročiu narodenia skladateľa.
Štátny komorný orchester "Moskovskí virtuózi"
V roku 1979 vynikajúci huslista Vladimir Spivakov spojil najsilnejších hudobníkov hlavného mesta Ruska do komorného orchestra Moscow Virtuosi. Hviezdny súbor sólistov a korepetítorov z najlepších moskovských kapiel, v ktorom účinkovali členovia slávneho Borodinovho kvarteta Michail Kopelman, Andrey Abramenkov, Dmitrij Šebalin a Valentin Berlinsky, odovzdal štafetu novým generáciám talentovaných hudobníkov – víťazov a laureátov medzinárodných a všetkých -Ruské súťaže. Roky plynú, ale na prvom mieste stále zostáva profesionalita, zručnosť a vysoká etika vzťahov v tíme.
Koncerty moskovských virtuózov sa konajú triumfálne v r európske krajiny, USA, Kanada, Mexiko, štáty Južná Amerika, Izrael, Čína, Kórea, Japonsko, Turecko atď. Hudobníci vystupujú v najlepších sálach sveta (Concertgebouw v Amsterdame, Musikverein vo Viedni, Royal Festival Hall a Albert Hall v Londýne, Pleyel a divadlo Champs Elysees v Paríži, Carnegie -hala a Avery-Fisher Hall v New Yorku, Suntory Hall v Tokiu atď.), ako aj na bežných koncertných miestach v malých mestách. Geografia turné Moscow Virtuosi zahŕňa aj všetky regióny Ruska a postsovietsky priestor. „Pre nás neexistujú malí ľudia, žiadne malé mestá,“ hovorí Vladimir Spivakov. "Výlety po Rusku sú na nezaplatenie a stretnutia s úžasným publikom sú jedinečné."
S moskovskými virtuózmi vystúpili vynikajúci hudobníci: Mstislav Rostropovič, Elena Obrazcovová, Yehudi Menuhin, Vladimir Krainev, Saulius Sondetskis, Jesse Norman, Jurij Bashmet, Maxim Vengerov, Khibla Gerzmava, Evgeny Kissin, Misha Maisky, Denis Matsuev, Shlomo Pletnev, Michail, Julian Rachlin, Giora Feidman, Michel Legrand, Pinchas Zukerman. Orchester dirigovali Rudolf Barshai, Christian Zacharias, Peter Gut, Andres Mustonen, Dmitrij Sitkovetsky, Vladimir Feltsman, Teodor Currentzis a ďalší. S orchestrom vystupujú mladé talenty, niektorí z nich – švédsky huslista Daniel Lozakovich, izraelský violončelista Daniel Akta, ruský klavirista Alexander Malofeev – sa dnes stali skutočnými hviezdami. Program koncertu s názvom „Moskovskí virtuózi. Dnes a zajtra“ za účasti talentovaných štipendistov Medzinárodnej charitatívnej nadácie Vladimíra Spivakova, laureátov medzinárodných súťaží.
Rozsiahly repertoár orchestra zahŕňa hudbu rôznych štýlov a období, od baroka po diela Dmitrija Šostakoviča, Sergeja Prokofieva, Belu Bartoka, Astora Piazzollu, Krzysztofa Pendereckého, Rodiona Shchedrina, Alfreda Schnittkeho, Sofie Gubaiduliny, Arvo Kancheliho a Giu Pärta. „Virtuosos“ vydali niekoľko desiatok CD pod poprednými svetovými vydavateľstvami. Orchester pokračuje v tvrdej práci, zachováva si najvyššiu úroveň výkonu a právo na ambiciózny názov „Moskovskí virtuózi“, kde každý hudobník je bystrý jedinec a všetci spolu – tím svetovej triedy. Vyznačuje sa vysokou európskou kultúrou súborného prejavu, pozornosťou k najmenším detailom, aktívnou tvorivou pozíciou vo vzťahu k myšlienke autora, jasným umením, láskou a úctou k verejnosti.
Huslista a dirigent Vladimir Spivakov je stálym umeleckým riaditeľom a šéfdirigentom Moskovského komorného orchestra Virtuosi od jeho vzniku. Vďaka maestrovi Spivakovovi, jeho dlhoročnej usilovnej práci s orchestrom, majú moskovskí virtuózi stále publikum po celom svete, uznanie a najvyššiu reputáciu získanú rokmi tvrdej práce. Moskovskí virtuózi dokážu nadchnúť a zaujať každého poslucháča, dať mu radosť z komunikácie s majstrovskými dielami a prebudiť v ňom túžbu opäť prísť na koncert. "Pre nás," hovorí
Vladimír Spivakov, „kreativita sa stala potrebou a práca sa stala umením, ktoré podľa slov Pabla Picassa zmýva z duše prach každodenného života.
Gennadij Dmitryak
Gennadij Dmitryak– zborový a operný a symfonický dirigent, ľudový umelec Ruska, umelecký riaditeľ a hlavný dirigent Štátneho akademického zboru Ruska pomenovaného po AA Jurlovovi, profesorovi Katedry moderného zborového vystúpenia Moskovského štátneho konzervatória PI Čajkovského a Katedry zboru Dirigovanie Ruskej hudobnej akadémie pomenovanej po Gnessinovcoch.
Hudobník študoval na Štátnom hudobnom a pedagogickom inštitúte Gnesins a na Moskovskom štátnom konzervatóriu Čajkovského. Jeho učiteľmi a mentormi boli slávni hudobníci A. Yurlov, K. Kondrashin, L. Ginzburg, G. Roždestvensky, V. Minin, V. Popov.
Gennadij Dmitryak pôsobil ako dirigent v Moskovskom komornom hudobnom divadle pod vedením BA Pokrovského, Divadle opery a baletu pomenovanom po G. Lorcovi v Havane, Moskovskom komornom zbore, Štátnom akademickom ruskom zbore ZSSR pod vedením V. Minina. , Akademické hudobné divadlo pomenované podľa K. S. Stanislavského a V. I. Nemiroviča-Dančenka, Nové operné divadlo pomenované po E. V. Kolobovovi.
V roku 1991 vytvoril a do roku 2006 viedol jedinečný spevácky zbor – súbor sólistov „Capella“ Moskovský Kremeľ “, ktorý odohral vyše tisíc koncertov, uskutočnil desiatky turné.
Tvorivý potenciál Gennadija Dmitryaka sa naplno prejavil v pozícii umeleckého riaditeľa a šéfdirigenta Štátneho akademického zboru Ruska pomenovaného po A. A. Yurlovovi. Vďaka svojej vysokej profesionalite a tvorivej sile Capella zaujala popredné miesto medzi zbormi v krajine, geografia ruských a zahraničných zájazdov skupiny sa výrazne rozšírila a jej repertoár bol doplnený o skladby modernej hudby.
Gennadij Dmitryak vystupuje nielen ako zbor, ale aj ako symfonický dirigent. To umožnilo Capelle realizovať množstvo veľkých hudobných projektov v tvorivej aliancii so známymi symfonickými orchestrami: Štátny akademický symfonický orchester Ruska pomenovaný po E.F. Svetlanov, orchestre “ Nové Rusko““, „Ruská filharmónia“, Moskovský štátny akademický symfonický orchester pod vedením Pavla Kogana.
Dôležitým smerom v tvorivej činnosti dirigenta je uvádzanie diel súčasných ruských skladateľov: A. Larina, A. Karamanova, G. Kančeliho, V. Kobekina, A. Čajkovského, A. Schnittkeho, R. Ščedrina a i.
Gennadij Dmitryak je iniciátorom a umeleckým riaditeľom celoruských hudobných festivalov. Jedným z nich je Festival Svätej lásky, ktorý oživuje tradície konania veľkých vokálnych a symfonických koncertov v jurlovskom štýle, na ktorých sa stretávajú veľké orchestrálne a zborové profesionálne a amatérske skupiny na javisku i pod holým nebom (vo formáte Open Air). Je to aj festival Kremeľ a chrámy Ruska, zameraný na oživenie tradície uvádzania zborových diel ruských skladateľov v autentickej atmosfére starých ruských historických pamiatok. V roku 2016 program festivalu Kremeľ a kostoly Ruska zahŕňal koncerty v kostoloch a kláštoroch v Moskve, Nižnom Novgorode, Veľkom Novgorode, Jaroslavli, Pskove a Kostrome.
Pod vedením Gennadyho Dmitryaka kaplnka rozvíja sociálne a vzdelávacie aktivity a predvádza programy zo skladieb ruskej zborovej hudby v regiónoch Ruska. Ako člen Prezídia Celoruského zborového spolku vedie rôzne verejné aktivity: dirigent bol jedným z iniciátorov vzniku 1000-hlasého detského zboru Ruska; pôsobí ako predseda a člen poroty celoruských zborových festivalov a prehliadok, vrátane Medzinárodného detského centra Artek.
Dirigent sa podieľal na uvedení a nahrávaní novej hymny Ruská federácia, zúčastnil na inaugurácii prezidenta Ruska V.V.Putina v roku 2004 vo Veľkom kremeľskom paláci, bol hlavným zbormajstrom spojených speváckych zborov pri oslave výročí Víťazstva vo Veľkej. Vlastenecká vojna. Počas 4. Fóra Aliancie civilizácií OSN v Katare v decembri 2011 pôsobil ako hlavný zbormajster všetkých jej kultúrnych programov. Zúčastnil sa otváracieho ceremoniálu a kultúrneho programu paralympiády v Soči 2014.
Gennady Dmitryak vydal viac ako 20 CD so štúdiovými nahrávkami majstrovských diel ruskej zborovej hudby. Sú medzi nimi tematické programy „Zo zlatého fondu kaplnky“, „S láskou k Rusku“, „Moja duša smúti za nebom“, „Nech je moja modlitba napravená“, Requiem A. Schnittkeho, „Celonočné bdenie“ od S. Rachmaninova, „Svadba“ a Stravinského a kurské piesne od G. Sviridova. Kontinuita Jurlovových tradícií sa prejavuje v osobitnom postoji Gennadija Dmitryaka k dielu Georgyho Sviridova. Tím pod vedením dirigenta zrealizoval štúdiovú nahrávku Antológie skladateľovej zborovej tvorby.
Dekrétom prezidenta Ruska D. A. Medvedeva zo 14. júna 2010 bola za dlhoročnú plodnú činnosť a prínos k rozvoju národnej kultúry Gennadijovi Dmitriakovi udelená medaila Rádu za zásluhy o vlasť II. Dirigentská práca v oblasti popularizácie ruskej sakrálnej hudby, zachovania a zveľaďovania kresťanských hodnôt v modernej spoločnosti bola ocenená rozkazmi ruského Pravoslávna cirkev- Svätý princ Daniel z Moskvy (2012) a „Sláva a česť“ I. stupeň (2017). V roku 2018 získal Gennady Dmitryak titul Ľudový umelec Ruskej federácie.
Irina Kostina
Irina Kostina- Absolvent Ruskej akadémie divadelných umení (dielňa Alexandra Titela a Igora Yasuloviča, trieda Natálie Pustovej).
Speváčka je laureátkou Moskovského festivalu študentskej kreativity „Festos“ (žánrový festival „Vocal Academy „Voice“, Moskva, 2008), ako aj niekoľkých medzinárodných súťaží: „Magic Candle“ (1. cena, Kyjev, 2001 ), „Malý princ“ (Grand -prix, Kišiňov, 2002), „Musica classica“ (1. cena, Ruza, 2010), XXIV. Glinkova spevácka súťaž (II. cena, Moskva, 2011), II. súťaž vokalistov M. Magomajeva ( III cena, Moskva, 2012), VIII súťaž vokalistiek Bibigul Tulegenova (I cena, Almaty, 2016) a iné.
Od roku 2011 je Irina Kostina sólistkou Moskovského nového operného divadla pomenovaného po EV Kolobovovi, kde účinkovala v predstaveniach Mozartova Čarovná flauta a Figarova svadba (Prvá dáma a Susanna), Rossiniho holič zo Sevilly. (Rosina), "Rigoletto" od Verdiho (Gilda), "Gianni Schicchi" od Pucciniho (Lauretta, Gherardino), "Kapulety a Montecchi" od Belliniho (koncertné vystúpenie, Júlia), "Nápoj lásky" od Donizettiho (Adina), " Rómeo a Júlia“ od Gounoda (Juliet), Purcellova Dido a Aeneas s prológom M. Nymana (Belinda Brien), Martynovova Škola pre manželky (Madam Duparc), Snehulienka Rimského-Korsakova (Snehulienka); sopránový part v kantáte „Carmina Burana“ od Orffa; úlohy v divadelných inscenáciách Desať sopránov Novej opery, Všetko toto je opera!, Valčíky, Tango, Foxtroty, Opera&Jazz, Rozprávky starej babičky, Johann Strauss, Kráľ valčíkov, Viva Verdi!.
Od roku 2015 je hosťujúcou sólistkou Veľkého divadla Ruska, kde debutovala ako Gerda (Príbeh Kaia a Gerdy od Baneviča) a následne stvárnila sopránový part v Prokofievovej vokálnej rozprávke Škaredé káčatko (predstavenie Rozprávky o Líška, káčatko a Balda).
Irina Kostina vystupuje na najlepších scénach hlavného mesta - vo Veľkej sále konzervatória, Čajkovského koncertnej sále, sálach Moskovského medzinárodného domu hudby, v Zbrojnici moskovského Kremľa; spolupracuje so Štátnym akademickým zborom Ruska pomenovaným po A. A. Jurlovovi, Štátnym symfonickým orchestrom „Nové Rusko“. Zúčastnila sa festivalu Irina Arkhipova Memorial Festival v paláci Yauza, kde spievala s Orpheus Radio Symphony Orchestra pod vedením Sergeja Kondrasheva (2012); na XXXII. medzinárodnom hudobnom festivale pomenovanom po S. V. Rachmaninovovi v Tambove (s Tambovským symfonickým orchestrom pod vedením Michaila Leontieva, 2013); účinkoval s Alexejom Tatarintsevom v Rjazaňskej oblastnej filharmónii (s Ryazanským guvernérom symfonickým orchestrom pod vedením Sergeja Oselka, 2015); sa zúčastnil operného festivalu Montecatini Terme - Petrohrad spolu s barytonistom Pedrom Carrillom a klaviristkou Laurou Pasqualetti (Taliansko, 2015).
Evgeniya Segenyuk
Evgeniya Segenyuk sa narodil v Moskve v rodine hudobníka. Vyštudovala s vyznamenaním dirigentský zbor (1994) a potom vokálnu (1996) fakultu Gnessinskej ruskej hudobnej akadémie. Počas štúdia bola štipendistkou Knowledge Foundation. V roku 1998 absolvovala s vyznamenaním asistentskú stáž na vokálnej fakulte Ruskej hudobnej akadémie Gnessin (učiteľ - L. I. Dudareva).
V roku 1997 bola Evgenia pozvaná do cvičného súboru Veľkého divadla av roku 1999 sa pripojila k hlavnej časti operného súboru.
Jej repertoár zahŕňa úlohy v Glinkovom Živote pre cára (Vanya), Eugen Onegin (Olga), Piková dáma (Polina, grófka), Opričnik (Fjodor Basmanov) od Čajkovského, Snehulienka (Lel), Cárova nevesta (Ljubasha). ), Kaščej nesmrteľný Rimského-Korsakova (Kaščejevna), Prokofievov Hráč (Mademoiselle Blanche), Ohnivý anjel (veštkyňa) a Láska k trom pomarančom (princezná Clarice) od Prokofieva, Nabucco Verdi (Fenena), Idiot Weinberga (Epanchin), „Príbeh Kaia a Gerdy“ od Baneviča (Snehová kráľovná), „Príbeh o kňazovi a jeho robotníkovi Baldovi“ od Pravednikova (Balda, svetová premiéra) a ďalšie úlohy, ako aj vokálne časti v „Malá omša“ od Rossiniho, „Stabat Mater“ od Pergolesiho a Dvořáka, Requiem od Mozarta, Salieriho, Verdiho a Dvořáka, v 9. symfónii a Slávnostná omša od Beethovena, kantáta „Moskva“ od Čajkovského v symfónii-kantáte „Song of the Earth“ od Mahlera (balet s rovnomenným názvom v podaní Covent Garden Ballet Company počas turné vo Veľkom divadle), Five Songs to Verses od Matildy Vezendo NK Wagner a ďalšie diela.
Jevgenia Segenjuková sa zúčastnila na svetovej premiére opery L. Desyatnikova Deti z Rosenthalu (Wagner). Na IV. opernom festivale A priori (2017) sa zúčastnila v ruskej premiére Sibeliovej opery Panna vo veži (úloha Hradnej pani). Ako činoherná herečka stvárnila postavu Katharite v balete Tamashi (Duch) na hudbu skupiny KODO (2012).
V spolupráci s Larisou Golushkinou napísala scenár a inscenovala hru „Nikolai Golovanov. Tajomstvo“. Inscenácia vychádza zo skladateľových romancí v podaní Jevgenie Segenjuka. Špeciálne pre speváčku napísala skladateľka Valeria Besedina part Kataríny Veľkej v opere The Changeling (Cisárovná).
Yevgenia Segenyuk účinkovala pod taktovkou známych dirigentov, medzi ktoré patria Jevgenij Svetlanov, Jurij Bashmet, Graham Bond, Alexander Vilyumanis, Michal Klauza, Olli Mustonen, Valery Polyansky, Gintaras Rinkevičius, Gennadij Roždestvensky, Vladimir Fedoseev, Mark Ermler. Spolupracovala s režisérmi B. Pokrovskij, E. Arie, D. Belyanushkin, L. Dodin, S. Zhenovach, F. Zambello, P. Konvichny, E. Nyakroshyus, A. Sokurov, A. Titel, R. Tuminas, P. Ustinov, V. Fokin. Účastník projektu O. Naydenysheva „Rock a opera“.
Speváčka má rozsiahly komorný repertoár, neustále vystupuje so sólovými programami; zájazdy v Rusku a zahraničí - vo Veľkej Británii, Taliansku, Grécku, Nórsku, Dánsku, Fínsku, Poľsku, Slovinsku, Lotyšsku, Ukrajine, Maroku, Jordánsku, Južnej Kórei, Hong Kongu, Japonsku. Opakovane sa zúčastňovala na autorských koncertoch Tikhon Khrennikov a na nahrávaní jeho diel, pričom získala veľkú pochvalu od ruských a zahraničných kritikov.
Evgenia Segenyuk vyučovala na Ruskej hudobnej akadémii Gnessin.
Laureát Ceny správnej rady Veľkého divadla (2005), víťaz otvorenej celoruskej súťaže Líder roka 2007 (v nominácii na najlepšieho operného speváka), víťaz XVII. medzinárodného festivalu Musica Classica – súťaž medzi profesionálnymi spevákmi (Grand Cena, 2015).
Jurij Rosotskij
Yuri Rostotsky promoval s vyznamenaním ruská akadémia hudby pomenovanej po Gnesinových v roku 2014 s titulom vokálneho umenia (trieda Svetlany Gorenkovej). Zdokonalil sa v programe pre mladých spevákov Oper Oder Spree (Nemecko, 2014) a v známej speváckej škole Accademia Rossiniana (Taliansko, 2017) pod vedením Ernesta Palacia. Zúčastnil sa majstrovských kurzov pod vedením Galiny Vishnevskej, Juana Diega Floresa, Vazha Chachava, Roberta Gambilla, Deborah York, Valentiny Levko, Fabia Sartoriho. Opakovaný štipendista Ministerstva kultúry Ruskej federácie.
Speváčke boli udelené ceny na IX. medzinárodnej súťaži operných spevákov pomenovanej po Claudii Taevovej v Estónsku (3. cena, 2015), 10. medzinárodnej súťaži operných spevákov Eleny Obrazcovovej v Petrohrade (diplom, 2015), 1. moskovskej súťaži r. Tenoristi pomenovaní po Ivanovi Kozlovskom (III. cena a špeciálna cena 2011), IX. medzinárodná vokálna súťaž pomenovaná po Zare Dolukhanovej „Jantárový slávik“ v Kaliningrade (II. cena a špeciálna cena, 2010).
V rokoch 2015-2018 - sólista moskovského divadla "Nová opera" pomenovaná po Evgeny Kolobov. Od roku 2018 je popredným sólistom petrohradského hudobného divadla cez zrkadlo. V divadle účinkuje v úlohách Lindoro (Rossiniho Talianka v Alžírsku), Ferrando (Mozart To všetko ženy robia), Ramiro (Rossiniho Popoluška), Nemorino (Donizettiho Nápoj lásky), Berendey (Rimského-Korsakova Snehulienka). ), Lenského („Eugene Onegin“ od Čajkovského).
V roku 2016 debutoval ako Belfiore (Mozartov Imaginárny záhradník) v Berlíne s Berlínskym symfonickým orchestrom, uviedol tenorové party v Schubertovej Omši Es dur v Norimbergu s Norimberským symfonickým orchestrom a v Händelovom oratóriu Mesiáš s orchestrom Musica Viva v r. Moskva. V roku 2017 uviedol part Brighella (Ariadne auf Naxos od Richarda Straussa) spolu so Štátnym orchestrom Ruska (dirigent Vladimir Jurovskij). Pravidelne účinkuje v tenorovom parte v Orffovej scénickej kantáte Carmina Burana.
V roku 2018 speváčka uviedla part Samsona v rovnomennom Händelovom oratóriu s Ruským národným orchestrom, zúčastnila sa na predstavení „Ódy na radosť“ z finále Beethovenovej 9. symfónie spolu s orchestrom Nové Rusko a vystúpila tenorový part v Bachovej vysokej omši spolu s komorným orchestrom "Moscow Virtuosos" V rokoch uviedol aj časti Damona (Handlova Acis a Galatea pod vedením Petra Neumanna), Mladého Cigána (Rachmaninov Aleko), tenor v Rachmaninovovej Celovečernej vigílii, Requiem a Mozartovej Korunovačnej omši.
V sezóne 2018/2019 predviedol Yuri part Lindora (Rossiniho Talianka v Alžírsku) na Festival de' Bardi van Nederland (Holandsko, 2019), Tebalda (Belliniho Montagues a Capuleti) na Medzinárodnom festivale opernej hudby PromFest v Pärnu. (Estonsko, 2019). Spevák vystúpil aj ako evanjelista a tenorista v Bachových pašiách podľa Jána a vášeň podľa Matúša na sérii koncertov v Holandsku, Moskve a Nižnom Novgorode (dirigent Jorn Boysen). V lete 2019 sa zúčastnil na „Festivale ruského umenia“ v Deauville (Francúzsko) s hviezdami ruského baletu.
Michail Birjukov
Michail Birjukov Vyštudoval Hudobnú a pedagogickú fakultu Moskovskej mestskej pedagogickej univerzity (trieda S. M. Kaznacheeva).
Od roku 2012 - sólista Štátneho akademického ruského zboru pomenovaného po A.V. Sveshnikov.
V roku 2013 vstúpil do operného centra Galiny Višnevskej, kde študoval pod vedením A. S. Belousovovej a E. A. Zarembu. Na javisku Centra debutoval ako Zaretskij v Čajkovského opere Eugen Onegin, neskôr v tejto opere účinkoval ako Gremin a Rotny, spieval aj v predstaveniach Čajkovského Iolanta (Kráľ René, Bertrand), Glinkovej Ruslan a Ľudmila (Princ Svetozar), Musorgského Boris Godunov (exekútor), Rimského-Korsakova Cárska nevesta (Maľuta Skuratov), Verdiho Rigoletto (Monterone), Bizetova Carmen (Zuniga) a ďalšie inscenácie. V umelcovom repertoári sú aj party Varlaama a Pimena v Borisovi Godunovovi, Sparafuchila v Rigolettovi, Collina v Pucciniho Bohéme, Mefistofelesa v Gounodovom Faustovi, basový part v Mozartovom Requiem a v Beethovenovej 9. symfónii.
V roku 2014 sa Michail Biryukov zúčastnil II. medzinárodného festivalu Mstislava Rostropoviča v Orenburgu, festivalu Empire of the Opera v Moskve, festivalu venovaného 120. výročiu založenia Štátneho pamätného hudobného múzea-rezervácie P. I. Čajkovského v Kline.
Gluckova biografia je zaujímavá pre pochopenie histórie vývoja klasická hudba. Tento skladateľ bol veľkým reformátorom hudobných prejavov, jeho myšlienky predbehli dobu a ovplyvnili tvorbu mnohých ďalších skladateľov 18. a 19. storočia, vrátane ruských. Vďaka nemu získala opera harmonickejší vzhľad a dramatickú úplnosť. Okrem toho pracoval na baletoch a malých hudobných skladbách – sonátach a predohrách, o ktoré je značný záujem aj súčasných interpretov, ktorí svoje úryvky ochotne zaraďujú do koncertných programov.
Mládežnícke roky
Gluckova raná biografia nie je dobre známa, hoci mnohí vedci aktívne skúmajú jeho detstvo a dospievanie. Je spoľahlivo známe, že sa narodil v roku 1714 vo Falcku v rodine lesníka a vzdelával sa doma. Takmer všetci historici sa tiež zhodujú, že už v detstve prejavoval vynikajúce hudobné schopnosti a vedel hrať na hudobné nástroje. Jeho otec však nechcel, aby sa stal hudobníkom, a poslal ho na gymnázium.
Budúcnosť však chcela spojiť jeho život s hudbou a preto odišiel z domu. V roku 1731 sa usadil v Prahe, kde hral na husliach a violončele pod vedením známeho českého skladateľa a teoretika B. Černogorského.
talianske obdobie
Gluckovu biografiu možno podmienečne rozdeliť do niekoľkých etáp, pričom ako kritérium si vyberie miesto bydliska, prácu a aktívnu tvorivú činnosť. V druhej polovici 30. rokov 18. storočia prišiel do Milána. V tejto dobe jeden z popredných Talianov hudobných autorov bol G. Sammartini. Pod jeho vplyvom začal Gluck písať vlastné skladby. Podľa kritikov si v tomto období osvojil takzvaný homofonický štýl - hudobný smer, ktorý sa vyznačuje zvukom jednej hlavnej témy, zatiaľ čo zvyšok hrá vedľajšiu úlohu. Gluckov životopis možno považovať za mimoriadne bohatý, keďže tvrdo a aktívne pracoval a do klasickej hudby priniesol veľa nového.
Osvojenie si homofónneho štýlu bolo veľmi dôležitým úspechom skladateľa, keďže polyfónia dominovala vtedajšej európskej hudobnej škole. V tomto období vytvára množstvo opier („Demetrius“, „Por“ a iné), ktoré mu napriek ich napodobňovaniu prinášajú slávu. Do roku 1751 cestoval s talianskou skupinou, kým nedostal pozvanie presťahovať sa do Viedne.
Reforma opery
Christoph Gluck, ktorého životopis by mal byť neoddeliteľne spojený s históriou formovania operného umenia, urobil veľa pre reformu tohto hudobného predstavenia. V XVII-XVIII storočia bola opera veľkolepým hudobným predstavením s krásnou hudbou. Veľa pozornosti sa nevenovalo ani tak obsahu ako skôr forme.
Skladatelia často písali výlučne pre konkrétny hlas, nestarali sa o dej a sémantickú záťaž. Gluck ostro oponoval tomuto prístupu. V jeho operách bola hudba podriadená dráme a individuálnym zážitkom postáv. Vo svojom diele Orfeus a Eurydika skladateľ umne spojil prvky antickej tragédie so zborovými číslami a baletnými výstupmi. Tento prístup bol na svoju dobu inovatívny, a preto ho súčasníci neocenili.
viedenského obdobia
Jedným z 18. storočia je Christoph Willibald Gluck. Životopis tohto hudobníka je dôležitý pre pochopenie formovania klasickej školy, ktorú poznáme dnes. Do roku 1770 pôsobil vo Viedni na dvore Márie Antoinetty. V tomto období sa formovali jeho tvorivé princípy a dostali svoj konečný výraz. Pokračoval v tvorbe na tú dobu tradičnej komickej opere a vytvoril množstvo pôvodných opier, v ktorých hudbu podriadil poetickému významu. Patrí medzi ne aj dielo „Alceste“, ktoré vzniklo po tragédii Euripides.
Predohra, ktorá mala pre iných skladateľov samostatný, takmer zábavný význam, v tejto opere nadobudla veľkú sémantickú záťaž. Jej melódia bola organicky votkaná do hlavného deja a udávala tón celému predstaveniu. Týmto princípom sa riadili jeho nasledovníci a hudobníci 19. storočia.
Parížske javisko
70. roky 18. storočia sa v Gluckovej biografii považujú za najrušnejšie. Zhrnutie jeho história musí nevyhnutne obsahovať malý opis jeho účasti na spore, ktorý sa rozhorel v parížskych intelektuálnych kruhoch o tom, aká by mala byť opera. Spor bol medzi prívržencami francúzskej a talianskej školy.
Prvý obhajoval potrebu vniesť do hudobného predstavenia dramatickosť a sémantickú harmóniu, druhý kládol dôraz na vokály a hudobné improvizácie. Gluck obhajoval prvý uhol pohľadu. Podľa svojich tvorivých zásad napísal novú operu podľa Euripidovej hry Ifigénia in Tauris. Toto dielo bolo uznávané ako najlepšie v skladateľovom diele a posilnilo jeho európsku slávu.
Vplyv
V roku 1779 sa skladateľ Christopher Gluck pre ťažkú chorobu vrátil do Viedne. Životopis tohto talentovaného hudobníka si nemožno predstaviť bez zmienky o jeho najnovších dielach. Aj ako ťažko chorý zložil množstvo ód a piesní pre klavír. V roku 1787 zomrel. Mal veľa nasledovníkov. Sám skladateľ považoval A. Salieriho za svojho najlepšieho žiaka. Gluckom stanovené tradície sa stali základom pre tvorbu L. Beethovena a R. Wagnera. Okrem toho ho mnohí iní skladatelia napodobňovali nielen v komponovaní opier, ale aj v symfóniách. Z ruských skladateľov si M. Glinka vysoko cenil dielo Glucka.
K. V. Gluck je veľký operný skladateľ, ktorý účinkoval v druhej polovici 18. storočia. reforma talianskej opernej série a francúzska lyrická tragédia. Veľká mytologická opera, ktorá prechádzala akútnou krízou, nadobudla v Gluckovom diele kvality nefalšovanej hudobnej tragédie, naplnenej silnými vášňami, pozdvihujúcou etické ideály vernosti, povinnosti, pripravenosti na sebaobetovanie. Vystúpeniu prvej reformnej opery "Orfeus" predchádzala dlhá cesta - boj za právo stať sa hudobníkom, putovanie, zvládnutie rôznych operných žánrov tej doby. Gluck žil úžasným životom a úplne sa venoval hudobnému divadlu.
Gluck sa narodil v rodine lesníka. Otec považoval povolanie hudobníka za nedôstojné povolanie a všetkými možnými spôsobmi zasahoval do hudobných koníčkov svojho najstaršieho syna. Preto Gluck ako tínedžer odchádza z domu, túla sa, sníva o získaní dobrého vzdelania (v tom čase už absolvoval jezuitské kolégium v Kommotau). V roku 1731 Gluck vstúpil na pražskú univerzitu. Študent filozofickej fakulty venoval veľa času hudobným štúdiám - učil sa od známeho českého skladateľa Boguslava Černogorského, spieval v zbore kostola sv. Jakuba. Potulky po okolí Prahy (Gluk ochotne hrával na husliach a najmä na svojom milovanom violončele v potulných súboroch) mu pomohli bližšie spoznať českú ľudovú hudbu.
V roku 1735 Gluck, už etablovaný profesionálny hudobník, odcestoval do Viedne a vstúpil do služieb zboru grófa Lobkowitza. Čoskoro taliansky filantrop A. Melzi ponúkol Gluckovi prácu komorného hráča v dvornej kaplnke v Miláne. V Taliansku sa začína Gluckova cesta operného skladateľa; zoznamuje sa s tvorbou najväčších talianskych majstrov, venuje sa kompozícii pod vedením G. Sammartiniho. trvalo takmer 5 rokov prípravná fáza; až v decembri 1741 bola v Miláne úspešne uvedená prvá Gluckova opera Artaxerxes (libre P. Metastasio). Gluck dostáva množstvo objednávok z divadiel v Benátkach, Turíne, Miláne a do štyroch rokov vytvoril niekoľko ďalších operných sérií („Demetrius“, „Poro“, „Demofont“, „Hypermnestra“ atď.), ktoré mu priniesli slávu a uznanie. od pomerne sofistikovanej a náročnej talianskej verejnosti.
V roku 1745 skladateľ navštívil Londýn. Silný dojem naňho urobili oratóriá G. F. Handela. Toto vznešené, monumentálne, hrdinské umenie sa pre Glucka stalo najdôležitejším tvorivým referenčným bodom. Pobyt v Anglicku, ako aj vystúpenia s talianskym operným súborom bratov Mingotti vo veľkých európskych metropolách (Drážďany, Viedeň, Praha, Kodaň) obohatili skladateľove hudobné skúsenosti, pomohli nadviazať zaujímavé tvorivé kontakty a spoznať rôzne opery. školy lepšie. Gluckova autorita v hudobnom svete bola ocenená udelením pápežského rádu Zlatej ostrohy. "Cavalier Glitch" - tento názov bol pridelený skladateľovi. (Pripomeňme si nádhernú poviedku T. A. Hoffmanna „Cavalier Gluck“.)
Nová etapa v živote a diele skladateľa sa začína presťahovaním do Viedne (1752), kde Gluck zakrátko zaujal post dirigenta a skladateľa dvornej opery a v roku 1774 získal titul „skutočný cisársky a kráľovský dvorný skladateľ ." Gluck pokračoval v komponovaní sérií opier a venoval sa aj novým žánrom. Francúzske komické opery (Merlinov ostrov, Imaginárny otrok, Napravený opilec, Oklamaná Cady a i.), napísané na texty slávnych francúzskych dramatikov A. Lesagea, C. Favarda a J. Sedena, obohatili skladateľov štýl o nové intonácie, kompozičné postupy, reagovali na potreby poslucháčov v priamo vitálnom, demokratickom umení. O Gluckovu tvorbu v baletnom žánri je veľký záujem. V spolupráci s talentovaným viedenským choreografom G. Angiolinim vznikol pantomimický balet Don Giovanni. Novinka tohto predstavenia – pravá choreografická dráma – je do značnej miery daná povahou námetu: nie tradične rozprávkový, alegorický, ale hlboko tragický, ostro protichodný, zasahujúci do večných problémov ľudskej existencie. (Scenár baletu bol napísaný podľa divadelnej hry J. B. Moliéra.)
Najvýznamnejšou udalosťou v tvorivom vývoji skladateľa a v hudobnom živote Viedne bola premiéra prvej reformnej opery Orfeus (1762), prísna a vznešená antická dráma. Krása Orfeovho umenia a sila jeho lásky dokážu prekonať všetky prekážky – táto večná a vždy vzrušujúca myšlienka je základom opery, jedného z najdokonalejších skladateľových výtvorov. V áriách Orfea, v slávnom flautovom sóle, známom aj v početných inštrumentálnych verziách pod názvom „Melódia“, sa ukázal originálny melodický dar skladateľa; a scéna pri Hádových bránach - dramatický súboj Orfea a Fúrie - zostala pozoruhodným príkladom výstavby veľkého operného tvaru, v ktorom sa dosiahla absolútna jednota hudobného a javiskového vývoja.
Po Orfeovi nasledovali ešte 2 reformné opery – Alcesta (1767) a Paris a Elena (1770) (obe in libre. Calcabidgi). V predslove k „Alceste“, napísanom pri príležitosti zasvätenia opery vojvodovi z Toskánska, Gluck sformuloval umelecké princípy, ktorými sa riadila celá jeho tvorivá činnosť. Nenachádzal náležitú podporu viedenskej a talianskej verejnosti. Gluck ide do Paríža. Roky strávené v hlavnom meste Francúzska (1773-79) sú časom skladateľovej najvyššej tvorivej činnosti. Gluck píše a inscenuje nové reformné opery na Kráľovskej hudobnej akadémii – „Iphigenia in Aulis“ (libr. L. du Roulle podľa tragédie J. Racina, 1774), „Armida“ (v preklade F. Kino podľa báseň „Oslobodený Jeruzalem“ od T. Tassa “, 1777), „Iphigenia in Taurida“ (libre. N. Gniyar a L. du Roulle podľa drámy G. de la Touche, 1779), „Echo a Narcis“ ( libre. L. Chudi, 1779), prerába „Orpheus“ a „Alceste“ v súlade s tradíciami francúzskeho divadla. Gluckova aktivita rozprúdila hudobný život Paríža a vyvolala najostrejšie estetické diskusie. Na strane skladateľa stoja francúzski osvietenci, encyklopedisti (D. Diderot, J. Rousseau, J. d'Alembert, M. Grimm), ktorí privítali zrod skutočne vysokého hrdinského štýlu v opere; jeho odporcami sú prívrženci starej francúzskej lyrickej tragédie a opernej série. V snahe otriasť Gluckovou pozíciou pozvali do Paríža talianskeho skladateľa N. Piccinniho, ktorý sa v tom čase tešil európskemu uznaniu. Kontroverzia medzi priaznivcami Glucka a Piccinniho vstúpila do dejín francúzskej opery pod názvom „vojny Glucksa a Piccinnisa“. Samotní skladatelia, ktorí sa k sebe správali s úprimnou sympatiou, zostali ďaleko od týchto „estetických bitiek“.
V posledných rokoch svojho života, strávených vo Viedni, Gluck sníval o vytvorení nemeckej národnej opery podľa námetu F. Klopstocka „Bitka pri Hermannovi“. Realizácii tohto plánu však zabránila vážna choroba a vek. Počas pohrebu Glucksa vo Viedni zaznelo jeho posledné dielo „De profundls“ („Volám z priepasti...“) pre zbor a orchester. Toto originálne rekviem dirigoval Gluckov žiak A. Salieri.
G. Berlioz, vášnivý obdivovateľ jeho diela, nazval Glucka „Aischylos hudby“. Štýl Gluckových hudobných tragédií – vznešená krása a vznešenosť obrazov, bezchybnosť vkusu a jednota celku, monumentálnosť kompozície, založená na interakcii sólových a zborových foriem – sa vracia k tradíciám antickej tragédie. . Boli vytvorené v časoch rozkvetu osvietenského hnutia v predvečer Francúzskej revolúcie a reagovali na potreby doby vo veľkom hrdinskom umení. Diderot teda krátko pred Gluckovým príchodom do Paríža napísal: „Nech sa objaví génius, ktorý založí skutočnú tragédiu... na lyrickej scéne.“ Gluck, ktorý si dal za cieľ „vyhnať z opery všetky tie zlé excesy, proti ktorým zdravý rozum a dobrý vkus už dlho márne protestuje“, vytvára predstavenie, v ktorom sú všetky zložky dramaturgie logicky účelné a vykonávajú isté, potrebné funkcie v celkovej kompozícii. „...vyhýbal som sa predvádzaniu hromady veľkolepých ťažkostí na úkor jasnosti,“ hovorí venovanie Alceste, „a nepripisoval som žiadnu hodnotu objavu novej techniky, ak by prirodzene nevyplývala zo situácie a bola nesúvisiace s expresivitou.“ Zbor a balet sa tak stávajú plnohodnotnými účastníkmi deja; intonačne expresívne recitatívy prirodzene splývajú s áriami, ktorých melódia je oprostená od excesov virtuózneho štýlu; predohra anticipuje emocionálnu štruktúru budúceho konania; relatívne ucelené hudobné čísla sa spájajú do veľkých scén atď. Riadený výber a koncentrácia prostriedkov hudobnej a dramatickej charakterizácie, prísne podriadenie všetkých väzieb veľkej skladby – to sú najvýznamnejšie Gluckove objavy, ktoré mali veľký význam tak pre aktualizáciu operného dramaturgiu a za nastolenie nového, symfonického myslenia. (Rozkvet Gluckovej opernej tvorby spadá do obdobia najintenzívnejšieho rozvoja veľkých cyklických foriem - symfónie, sonáty, konceptu.) Starší súčasník I. Haydna a WA Mozarta, úzko spätý s hudobným životom a umeleckým atmosféra Viedne. Gluck, a to z hľadiska skladu jeho tvorivej individuality a z hľadiska celkovej orientácie jeho rešerší, prilieha práve k viedenskej klasickej škole. Tradície Gluckovej „vysokej tragédie“, nové princípy jeho dramaturgie sa rozvíjali v opernom umení 19. storočia: v dielach L. Cherubiniho, L. Beethovena, G. Berlioza a R. Wagnera; a v ruskej hudbe - M. Glinka, ktorý si veľmi cenil Glucka ako prvého operného skladateľa 18. storočia.
I. Okhalova
Syn dedičného lesníka odmala sprevádza svojho otca na jeho mnohých cestách. V roku 1731 vstúpil na pražskú univerzitu, kde študoval vokálne umenie a hru na rôzne nástroje. Keďže je v službách princa Melziho, žije v Miláne, chodí na hodiny kompozície u Sammartiniho a uvádza množstvo opier. V roku 1745 sa v Londýne stretol s Händelom a Arnem a skomponoval pre divadlo. Ako kapelník talianskeho súboru Mingotti navštevuje Hamburg, Drážďany a ďalšie mestá. V roku 1750 sa ožení s Marianne Perginovou, dcérou bohatého viedenského bankára; v roku 1754 sa stal kapelníkom Viedenskej dvornej opery a bol súčasťou sprievodu grófa Durazza, ktorý divadlo riadil. V roku 1762 bola úspešne naštudovaná Gluckova opera Orfeus a Eurydika na libreto Calzabidgiho. V roku 1774, po niekoľkých finančných neúspechoch, nasleduje Máriu Antoinettu (ktorej bol učiteľom hudby), ktorá sa stala francúzskou kráľovnou, do Paríža a získava si priazeň verejnosti aj napriek odporu pikcinistov. Rozrušený neúspechom opery „Ozvena a narcis“ (1779) však opúšťa Francúzsko a odchádza do Viedne. V roku 1781 bol skladateľ paralyzovaný a ukončil všetky aktivity.
Gluckovo meno sa v dejinách hudby stotožňuje s takzvanou reformou hudobnej drámy talianskeho typu, v jeho dobe jedinej známej a rozšírenej v Európe. Je považovaný nielen za skvelého hudobníka, ale predovšetkým za záchrancu žánru zdeformovaného v prvej polovici 18. storočia virtuóznymi dekoráciami spevákov a pravidlami konvenčných, strojovo založených libriet. V súčasnosti sa už Gluckovo postavenie nezdá výnimočné, keďže skladateľ nebol jediným tvorcom reformy, ktorej potrebu pociťovali aj iní operní skladatelia a libretisti, najmä talianski. Navyše pojem úpadku hudobnej drámy sa nemôže vzťahovať na vrchol žánru, ale len na nekvalitné skladby a autorov s malým talentom (ťažko viniť takého majstra, akým je Händel, za úpadok).
Nech je to akokoľvek, na podnet libretistu Calzabigiho a ďalších členov sprievodu grófa Giacoma Durazza, manažéra viedenských cisárskych divadiel, zaviedol Gluck do praxe množstvo inovácií, ktoré nepochybne viedli k významným výsledkom v oblasti hudobného divadla. . Calcabidgi spomínal: „Pre pána Glucka, ktorý hovoril naším jazykom [to znamená taliančinou], nebolo možné recitovať poéziu. Čítal som mu Orfea a viackrát som recitoval mnohé úryvky, pričom som zdôrazňoval odtiene prednesu, zastávok, spomalenia, zrýchlenia, zvukov teraz ťažkých, teraz hladkých, ktoré som chcel, aby použil vo svojej skladbe. aby odstránil všetky milosti, kadenciu, ritornely a všetko to barbarské a extravagantné, čo preniklo do našej hudby.