Igor Stravinskij je skvelý ruský skladateľ, interpret a dirigent, svetlý predstaviteľ modernizmus v hudbe. Právom je považovaný za jednu z najvýznamnejších osobností svetového umenia 20. storočia.
Detstvo a mladosť
V roku 1882 sa Igor Stravinskij narodil neďaleko Petrohradu. Jeho rodičia mali priamy vzťah k hudbe - otec Fjodor bol sólistom v Mariinskom divadle a bol uznávaným umelcom Ruská ríša, mama Anna je klaviristka, sprevádzala manžela. Igor vyrastal medzi nekonečným zástupom hostí vrátane spisovateľov, umelcov, hudobníkov. Chlapcov otec bol priateľský.
Prvýkrát za klavír sa budúci génius posadil vo veku 9 rokov. Po skončení strednej školy rodičia zariadili Igorovi univerzitu v Petrohrade, kde mladík študoval za právnika. Stravinskij študoval hudbu sám, potom začal chodiť na súkromné hodiny.
Igor vďačí za známosť svojmu synovi Vladimírovi, ktorý tiež vyštudoval právo. Rimského-Korsakova zaujal Stravinského talent a odporučil mu, aby nevstupoval na konzervatórium, keďže mladý muž má dostatok vedomostí. Mentor naučil Igora najmä orchestračné zručnosti a opravoval jeho diela. Vďaka svojmu vplyvu sa postaral o uvedenie hudby jeho žiaka.
Hudba
V roku 1908 zazneli v podaní dvorného orchestra dve Stravinského diela – Faun a Pastierka a Symfónia Es dur. Nasledujúci rok sa dostal k svojmu orchestrálnemu scherzu: talent mladého skladateľa ho natoľko ohromil, že ho okamžite spoznal a objednal si niekoľko úprav pre ruský balet v Paríži. O rok neskôr sa Diaghilev opäť obracia na Stravinského a objednáva hudobný sprievod pre nový balet Ohnivý vták.
Premiéra sa konala v lete 1910: neuveriteľný úspech okamžite zmenil Stravinského na najnadanejšieho predstaviteľa novej generácie. hudobných autorov. Firebird bol začiatkom plodnej spolupráce medzi Igorom a skupinou Diaghilev. Ďalšiu sezónu už otvára balet Petruška s partitúrou Stravinského a veľkolepého Václava Nižinského v hlavnej úlohe.
Inšpirovaný úspechom sa skladateľ rozhodol napísať akýsi symfonický rituál, ktorý v roku 1913 vyvolal v parížskom divadle veľký hluk. Toto dielo bolo Svätenie jari. Diváci sa počas premiéry rozdelili na dva tábory: niektorých ohúril nejednoznačný tanec a odvážna hudba, tí druhí vítali pôvodnú produkciu. Svedkovia uviedli, že tanečníci nepočuli orchester - taký silný rachot bol v sále.
Václav Nižinskij v Stravinského Petruške Od toho dňa bol Stravinskij nazývaný skladateľom toho istého „Obradu jari“ a deštruktívnym modernistom. Igor spolu s manželkou a deťmi opúšťa rodné mesto a v roku 1910 sa usadí vo Francúzsku.
Avšak, Prvý svetová vojna zrušil „ruské ročné obdobia“ v Paríži a štedré poplatky skončili. V roku 1914 manželia Stravinskí skončili vo Švajčiarsku prakticky bez prostriedkov na živobytie. V tých dňoch sa často obracia na ruské ľudové motívy, rozprávky.
V tom čase sa hudba, ktorú Stravinskij napísal, stala asketickejšou, zdržanlivejšou, ale neuveriteľne rytmickou. V roku 1914 začal pracovať na balete Les Noces, ktorý sa mu podarilo dokončiť až v roku 1923. Jeho základom boli vidiecke ruské piesne, ktoré sa hrali na svadbách a svadbách. V roku 1920 bolo v ruskom štýle napísané posledné majstrovské dielo Symfónia pre dychy.
Potom z jeho práce zmizla národná chuť a začal pracovať v neoklasickom štýle. Ďalej skladateľ interpretuje starú európsku hudbu a ďalšie zaujímavé historické štýly. Od roku 1924 Igor Stravinskij prestal písať a vystupoval ako klavirista a dirigent. Po druhej svetovej vojne sa jeho koncerty stali veľmi populárnymi.
Zároveň sa obnovili ruské sezóny, ale na skromnej úrovni. Posledný balet, ktorý Diaghilev a Stravinskij vytvorili, bol Apollon Musagete, ktorý mal premiéru v roku 1928. O rok neskôr Diaghilev zomiera a súbor sa rozpadá.
Rok 1926 bol v Stravinského osudoch prelomový, zažil duchovnú premenu, čo malo samozrejme vplyv aj na jeho tvorbu. Náboženské motívy sa objavujú v jeho „Oidipus Rex“, v kantáte „Symfónia žalmov“. Libretá k týmto dielam sú napísané v latinčine. V roku 1939 bol pozvaný na Harvardskú univerzitu v Amerike, kde čítal cyklus prednášok „Hudobná poetika“.
V päťdesiatych rokoch sa v Európe objavila avantgarda, ktorá odmietla neoklasicizmus milovaný Stravinským, a Stravinskij zažil hudobnú krízu. Veľká depresia, v ktorej bol Igor, skončila niekoľkými experimentálnymi dielami: "Kantáta", "Na pamiatku Dylana Thomasa".
V tvorbe pokračoval aj napriek mozgovej príhode až do roku 1966, posledným dielom bolo Requiem. Toto neskutočne jemné dielo, ktoré skladateľ napísal vo veku 84 rokov, bolo dôkazom Stravinského veľkého talentu a nevyčerpateľnej energie.
Osobný život
Igor Stravinskij v roku 1906 uzavrel uzol so svojou sesternicou Jekaterinou Nosenkovou. Veľká láska mladých nezastavila prítomnosť rodnej krvi, v manželstve sa narodili 4 deti: chlapci Svyatoslav a Fedor a dievčatá Lyudmila a Milena. Synovia sa stali vynikajúcimi kultúrnymi osobnosťami: Svyatoslav - virtuózny skladateľ a klavirista, Fedor - umelec. Biografia Lyudmily Stravinskej je zaujímavá tým, že sa stala manželkou básnika Jurija Mandelstama.
Catherine trpela spotrebou, a tak rodina odišla na zimu do Švajčiarska – vlhký petrohradský vzduch nedovoľoval žene dýchať. V roku 1914 sa Stravinským nestihli na jar vrátiť zo Švajčiarska do Ruska pre vypuknutie prvej svetovej vojny a potom pre revolúciu. Majetok a peniaze, ktoré zostali v ich rodnom meste, boli rodine odobraté.
Igor si túto katastrofu vzal k srdcu: okrem Kataríny a detí podporoval aj matku, sestru a synovcov. V Rusku sa v mesiacoch revolúcie vytvorilo bezprávie vo všetkých oblastiach a skladateľovi prestali platiť honoráre za uvedenie diel kvôli jeho emigrácii. Aby mohol nejako uživiť svoju rodinu, musel Stravinskij vydať nové vydania svojich diel.
Legendy a fámy neobišli Igorov osobný život: pripisuje sa mu milostný vzťah z . Stravinskému podala pomocnú ruku v momente, keď zostal úplne bez peňazí. Igor s rodinou dva roky býval vo vile mademoiselle, sponzorovala jeho vystúpenia, živila a obliekala rodinu.
Keď sa Stravinského finančná situácia zlepšila a odišiel z domu Chanel, posielala mu peniaze každý mesiac ďalších 13 rokov - táto nezvyčajná skutočnosť sa stala základom pre legendu o románe medzi francúzskym dizajnérom a ruským skladateľom. V roku 2009 bol vydaný celovečerný film Coco Chanel a Igor Stravinsky venovaný tomuto vzťahu.
V roku 1939 zomrela Ekaterina Stravinskaya ao rok neskôr, keď sa presťahovala do Ameriky, sa hudobník druhýkrát oženil s herečkou nemého filmu Verou Sudeikinou. Vera a Igor spolu žili 50 rokov a snažili sa neoddeliť sa ani na minútu. V roku 1962 navštívil manželský pár Domovská krajina- v Moskve a Leningrade bolo stretnutie vysielané v televízii.
Smrť
Skladateľ zomrel 6. apríla 1971, príčinou smrti bolo zlyhanie srdca. Jeho manželka Vera Arturovna ho pochovala v Benátkach, v ruskej časti cintorína San Michele, neďaleko Diaghilevovho hrobu. Po 11 rokoch bude manželka pochovaná vedľa svojho manžela.
Stravinského meno bolo viackrát zvečnené: nosí ho hudobná škola v Oranienbaume, turistická loď a lietadlo Aeroflotu. Na počesť Stravinského sa na Ukrajine každoročne koná medzinárodný hudobný festival.
Diskografia
- 1906 - "Faun a pastierka"
- 1908 - "Fantastické scherzo"
- 1910 - balet "The Firebird"
- 1911 - Balet "Petrushka"
- 1913 - "Posvätný prameň, obrázky pohanského Ruska v 2 častiach"
- 1914 - rozprávka "Slávik"
- 1918 - rozprávka "Príbeh vojaka"
- 1920 - balet "Pulcinella"
- 1922 - opera "Mavra"
- 1923 - choreografické scény "Svadba"
- 1927 - opera "Oidipus Rex"
- 1928 - balet "Apollo Musagete"
- 1930 - "Symfónia žalmov"
- 1931 – husľový koncert D-dur
- 1942 - Koncertné tance
- 1954 - "4 ruské piesne"
- 1963 - "Abrahám a Izák"
- 1966 - "Chants for the Dead"
Rozhovor s Philipom Hasherom, 2009
Boulez kreslí analógie medzi dielami Stravinského, Picassa a Kandinského. Pridal som niekoľko reprodukcií, aby bolo jasné, čo Boulez myslel. A zároveň – má alebo nemá pravdu.
– Stravinskij začal pracovať na Štyroch etudách v roku 1914. Cítil sa vtedy na rázcestí, po minuloročnej senzačnej premiére Svätenia jari?
- Podľa mňa je to pre Stravinského najzaujímavejšie obdobie a dodnes ma mrzí, že sa Stravinskij neskôr začal zaujímať o neoklasicizmus namiesto toho, aby rozvíjal to, čo počas týchto rokov plánoval. Napodiv, ale práve vtedy sa zrodili všetky jeho budúce majstrovské diela. Bolo to obdobie hľadania. Napríklad prvé tri etudy sú skvele zorganizované, dokonca je ťažké si predstaviť, že ich Stravinskij pôvodne napísal pre sláčikové kvarteto. Druhá etuda je absolútnym majstrovským dielom, tu sa objavil humor, ktorý je pre Stravinského taký organický - ostrý a dobre mierený. Ostatné etudy sú v istom zmysle tradičnejšie. Prvý je niečo ako ruský pochod. Pravda, obsahuje už tie nepravidelné rytmy, ktoré neskôr vo „Svadebke“ zaznejú. To je úžasné, pretože týmto spôsobom môžete vystopovať niektoré z počiatkov svadby. Tretia etuda je chorál, v ktorom zvuk drevených dychových nástrojov kontrastuje so zvukom sláčikov. Niekedy chcem hrať len prvé tri kusy, sú veľmi homogénne a štvrtá etuda sa od nich výrazne líši. Ak hovoríme o celom cykle, tak toto je úplne iná hudba.
– V čom je zvláštnosť štvrtej etudy?
- Štvrtá etuda je akýmsi jednoduchým náčrtom, Stravinskij také veci robil dokonale. Myslím si, že Stravinskij sa najlepšie ukázal, keď mal niečo zobraziť, o niečom povedať. Vo filmoch „The Firebird“, „Petrushka“, „Rate of Spring“, „The Wedding“ pôsobí ako rozprávač a darí sa mu to. Stravinskij mal dobrú predstavivosť. Ale keď sa snažil písať „čistú“ hudbu, robil to menej presvedčivo, keďže jeho kompozičné myslenie je iné ako u Beethovena, Brahmsa či Brucknera. Rozvoj čisto hudobných myšlienok nie je jeho oblasťou.
- V roku 1919 začal Stravinskij písať "Pulcinella" - svoju prvú a možno aj najlepšiu skladbu neoklasického obdobia. Raz ste povedali, že neoklasicizmus je slepá ulička, ale možno je to odklon od hlavnej cesty, zaujímavý svojim spôsobom?
- Nemyslím si. Ale "Pulcinella" - špeciálny prípad pretože je to hra. "Oidipus Rex" nie je hra, "Apollo Musagete" nie je hra, Stravinskij to myslí v týchto veciach úplne vážne. S najvýznamnejším umelcom tej generácie - Picassom - sa stalo to isté. Po úderných dielach kubistického obdobia začal maľovať ženy na pláži. V porovnaní s predchádzajúcimi obrazmi to všetko vyzeralo žalostne. Boli aj lepšie časy – obdobie veľkolepej „Guernice“. No v posledných rokoch, keď takpovediac robil „prepisy“ slávnych obrazov, sa nič pôsobivé nestalo. Picassova cesta bola nerovná. Ako sa hovorí, svojou cestou by ste si mali ísť len vtedy, ak to ide hore. Niečo podobné sa stalo Kandinskému. Podľa mňa jeho najlepšie diela vznikli v rokoch 1911 a 1916, vyznačujú sa absolútne zbesilou plasticitou. Diela napísané neskôr, v rokoch Bauhausu, kde je všetko podriadené geometrii, už nie sú rovnaké.
Pablo Picasso. Dievča s mandolínou, 1910
Pablo Picasso. Kúpači, 1918
Pablo Picasso. Portrét ženy (podľa Lucasa Cranacha), 1958
Wassily Kandinsky. Improvizácia č.21A,1911
Wassily Kandinsky. Mäkké napätie, 1923
- Nazvali ste "Pulcinella" hrou. Ako sa líši od nasledujúcich diel?
- Áno. Stravinskij nevzal tie najlepšie hudobné fragmenty Pergolesiho - je nepravdepodobné, že si ich prvýkrát zapamätáte - a dal im nový život. Je to, ako keby ste starý pomník namaľovali veľmi pestrými farbami – a potom už nevidíte to, čo bolo predtým, vidíte len farby. Milujem dirigovanie Pulcinella, vtedy sa mi zdá, že v rukách držím hračku.
– Čo sa stalo za štvrťstoročie, ktoré oddelilo Pulcinellu a Symfóniu v troch častiach? Zostalo v tejto takzvanej symfónii niečo z neoklasicizmu?
- Áno, samozrejme, druhá časť je najčistejší neoklasicizmus a táto časť je podľa mňa najmenej vydarená. Neoklasické diela napísané podľa Pulcinella - Oidipus Rex, Apollo Musagetes, Hracie karty sú podľa mňa pritiahnuté za vlasy a vynútené, nie je v nich žiadna prirodzenosť. Je to ako snažiť sa postaviť niečo ako grécky chrám bez jediného kameňa.
– Nedá sa však povedať, že by Stravinskému bola v tejto symfónii odopretá inšpirácia.
Čo sa týka rytmu, áno. Samozrejme, je tu aj niečo „bežné Stravinské“. Ale aj Mozart a Beethoven majú „spoločné miesta“ – to je súčasť ich osobnosti. Najlepšia vec na symfónii je prvá časť a časť tretej časti, ktorá pôsobí, akoby sa Stravinskij snažil niečo zobraziť. V prvej časti je miesto pripomínajúce Svätenie jari, čo je úplne nečakané. Keď som prvýkrát počul symfóniu – bolo to na koncerte vo Francúzsku po vojne – pomyslel som si: „Ach, opäť je tu dych „jari“!
– Dnes vnímate Pulcinellu alebo Symfóniu v troch častiach inak, ako keď ste sa prvýkrát stretli?
– Existuje francúzske príslovie: „Len idioti nemenia svoj názor“ av tomto zmysle som úplný idiot, pretože som ani trochu nezmenil názor na tieto dve veci. Páčili sa mi a stále sa mi páčia.
S manželkou išiel z Rigy do Londýna na plachetnici. Takáto plavba zvyčajne netrvala dlhšie ako sedem dní, ale potom sa pretiahla na tri týždne pre silnú búrku, v ktorej vydesení poverčiví námorníci obviňovali cestujúcich. Pre R. Wagnera sa táto cesta stala zdrojom inšpirácie – uchvátila ho morská romantika. Keď loď vyplavila na nórskom pobreží, tvárou v tvár rybárskej dedinke našiel vhodnú „scénu“ pre udalosti svojej budúcej opery. Našla sa aj vhodná zápletka - poviedka G. Heineho "Memoirs of Herr von Schnabelevopsky", presnejšie v nej prerozprávaná zápletka románu anglickej spisovateľky F. Marietta "Ghost Ship". Toto dielo, spájajúce črty gotického a námorníckeho románu, vychádzalo z legendy o „Lietajúcom Holanďanovi“ ... Ale ak G. Heine rozpráva tento príbeh so svojou obvyklou iróniou, tak R. Wagner to berie veľmi vážne.
Legenda o „lietajúcom Holanďanovi“ – lodi duchov bez domova, ktorá je naveky odsúdená na plavbu po moriach – je známa v rôznych verziách a R. Wagner si vybral tú najromantickejšiu z nich: raz za sedem rokov loď pristane na brehu a ak kapitán stretne ženu, ktorá ho miluje a bude mu verná až do smrti, nájde pokoj.
R. Wagner napísal libreto k opere Lietajúci Holanďan v roku 1840 a ponúkol ho L. Piyemu, riaditeľovi parížskej Veľkej opery. Nechcel sa zaoberať neznámym skladateľom, ale páčilo sa mu libreto a ponúkol zaň päťsto frankov – aby hudbu napísal niekto iný. R. Wagner, ktorý zúfalo potreboval peniaze, súhlasil a operu s názvom Bludný námorník napísal Pierre-Louis Diech, hlavný zbormajster divadla, ktorý nikdy predtým opery netvoril (na rozdiel od R. Wagnera, ktorý bol v tom čase autor štyroch diel v tomto žánri - "Víly", "Palermský nováčik", "Zakázaná láska" a "Rienzi"). Zápletkou unesený R. Wagner sa tým však nenechal zahanbiť – pustil sa do hudby svojho „Lietajúceho Holanďana“.
Ak predchádzajúce opery R. Wagnera boli v mnohom napodobňovaním, tak v opere Lietajúci Holanďan sa najskôr deklaruje ako etablovaný skladateľ s vlastným „rukopisom“ – tu po prvý raz, aj keď nie v plnom rozsahu, črty, ktoré dokážu byť nazývaný skutočne wagnerovský. Árie, duetá a zbory sú ešte pomerne ucelené fragmenty – už teraz je však cítiť túžbu prekonať túto zaokrúhlenosť: čísla sa spájajú do dramatických scén a stáva sa aj to, že samotné číslo nadobúda význam scény – ako napr. príklad Holanďanov monológ v prvom dejstve. neodmysliteľnou súčasťou opery a iných charakteristika Wagnerova hudobná dráma – systém leitmotívov. V tejto opere je ich o niečo viac – volanie Holanďana, téma Senta. Prvýkrát sa objavujú v predohre, ktorá nielenže vykresľuje pôsobivý obraz rozbúreného mora, ale aj zovšeobecňujúco vyjadruje myšlienku opery.
Opera Lietajúci Holanďan otvára nové cesty a zároveň pokračuje v tradíciách nemeckej romantickej opery založenej K. M. Weberom. Tá spočíva nielen v odkazovaní na legendárnu zápletku, ale aj v striedaní scén ľudovo-všedných a fantastických. Aj v tých, aj v iných dôležitá úloha patrí chóru, ktorého použitie skladateľom je postavené do akéhosi dramatického plánu: v prvom dejstve - iba mužský zbor (námorníci), v druhom - iba ženský zbor (pradienky), v treťom dejstve - oboje a až vo finále sa objaví zmiešané. Zborové scény nie sú izolované od sólových čísiel – napríklad rotujúci refrén v druhom dejstve priamo „vlieva“ do Sentovej balady. Najdynamickejšia je rozšírená zborová scéna v treťom dejstve: provokatívny zbor námorníkov „Kormidelník! Dole z hodiniek! “, pripomínajúce nemecké ľudové piesne a pochmúrny zbor námorníkov lode duchov „odpovedá“ na jemnejšiu ženskú.
R. Wagner dokončil operu Lietajúci Holanďan v novembri 1841, no premiéra sa konala až v januári 1843. Stalo sa tak v Drážďanoch, kde mala úspech skladateľova predchádzajúca opera Rienzi, čo sa stalo dôvodom záujmu drážďanského divadelného riaditeľstva o nové dielo R. Wagnera. Zvláštnou zhodou okolností sa v tom istom mesiaci odohralo posledné - jedenáste - predstavenie "Túlajúci sa námorník" od Pierra-Louisa Ditcha, ktoré sa objavilo vďaka zakúpenému libretu od R. Wagnera... Obe opery boli veľmi chladné. dostal verejnosť - avšak, aby "The Wandering Sailor" kriticky uznávaný. Osud opier (a skladateľov!) bol opačný: Bludný námorník sa už neinscenoval a Pierre-Louis Dietsch sklamaný z neúspechu nevytvoril ďalšiu operu. Lietajúci Holanďan od R. Wagnera sa v ďalších rokoch uvádzal v Rige, Berlíne, Zürichu, Prahe a ďalších mestách - dielo zožalo úspech, ktorý ho sprevádza dodnes, a R. Wagner vytvoril mnoho ďalších opier, ktoré rozvíjajú nové princípy kladené dole v The Flying Dutchman.
Hudobné sezóny
"Lietajúci Holanďan" (z nemčiny "Der Fliegende Holländer")
je romantická opera. Hudba a libreto Wilhelm Richard Wagner.
Premiéra sa konala 2. januára 1843 v Drážďanoch pod taktovkou skladateľa.
Dej opery je založený na starej legende z príbehu "Spomienky Herr von Schnabelevopsky"("Aus den Memoiren des Herren von Schnabelewopski") od Heinricha Heineho. Raz kapitán Straathen prisahal, že sa navždy pokúsi dobyť nedobytný Mys Dobrej nádeje, aj keby na ňom mal stráviť večnosť. Odvtedy bola jeho loď odsúdená na túlanie sa po moriach a oceánoch. Holanďana mohla zachrániť len jedna vec – raz za sedem rokov mohol vystúpiť na breh hľadať vernú manželku, a ak by nejakú našiel, bolo by mu odpustené. Ak sa náhle ukáže, že manželka je neverná svojmu manželovi, bude tiež prekliata. A potom jedného dňa mal Holanďan opäť príležitosť zachrániť si dušu. Vôľou osudu nájde dievča, ktoré cíti skutočný súcit jemu. Svadba sa blíži, no osudná nehoda zmarí plány mladého záchrancu a tuláka: zatratený hrdina sa náhodou stal svedkom rozhovoru medzi svojou nevestou a Ericom, ktorý je do nej zamilovaný. Holanďanovi sa zdá, že vernosť nenájde ani v Saintes. Čoskoro odhalí svoje strašné tajomstvo o kliatbe a ponáhľa sa opustiť breh, aby ju zachránil. Ale na dôkaz svojej lojality sa Senta vrhne z útesu do mora. V tom istom momente sa prekliata loď potápa a v diaľke sú vidieť dva jasné obrazy - kapitán Straaten a Senta.
Fantastické scény sú pevne zakomponované do každodenného života postáv. Prírodné sily zohrávajú osobitnú úlohu: obrázky rozbúreného mora, strašidelný spev strašidelného tímu pôsobia na diváka živým dojmom. presne tak opera Lietajúci Holanďan označuje individuálny štýl skladateľa, ktorý sa v tom čase vytvoril.
História stvorenia.
Už tri roky pred uvedením opery Lietajúci Holanďan zaujala starodávna legenda Richarda Wagnera. Romantická tragédia opradená zlovestným tajomstvom ho hlboko zasiahla. Záujem o históriu vzrástol najmä po dlhej ceste loďou do Londýna. Strašná búrka, impozantné nórske fjordy, príbehy námorníkov - to všetko kreslilo živé obrazy, akoby oživovalo hrdinov starej legendy. V roku 1840 napísal Richard Wagner libreto podľa námetu románu Heinrich Heine. Skladateľ Louis Ditch napísal hudbu k tomuto textu do roka. Čoskoro sa však Wagner opäť pustil do práce – dokončil svoje vlastné libreto a napísal vlastný hudobný sprievod. Uveďte premiéru "Lietajúci Holanďan" sa uskutočnilo v roku 1843, no uznanie sa dielu dostalo až po tom, čo Wagner získal celosvetový úspech.
Zaujímavosti:
- V roku 1939 Richard Wagner utiekol pred veriteľmi na lodi Thetis, smerujúcej do Londýna. Loď zastihla silná búrka. Vtedy sa rytmus búrky zaryl do skladateľovej duše – začul ozvenu výkrikov mužstva, ktoré zdvihlo plachty a spúšťalo kotvu. Tento rytmus slúžil ako základ pre námornícku pieseň v The Flying Dutchman.