Igor Stravinsky este un mare compozitor, interpret și dirijor rus, reprezentant luminos modernismul în muzică. De drept, el este considerat una dintre cele mai semnificative figuri ale artei mondiale a secolului al XX-lea.
Copilărie și tinerețe
În 1882, Igor Stravinsky s-a născut lângă Sankt Petersburg. Părinții săi erau legați direct de muzică - tatăl Fiodor a fost solist la Teatrul Mariinsky și a fost un artist onorat Imperiul Rus, mama Anna este pianistă, și-a însoțit soțul. Igor a crescut într-un flux nesfârșit de invitați, inclusiv scriitori, artiști, muzicieni. Tatăl băiatului era prietenos cu.
Pentru prima dată la pian, viitorul geniu s-a așezat la vârsta de 9 ani. După absolvirea liceului, părinții s-au aranjat pentru Igor la Universitatea din Sankt Petersburg, unde tânărul a studiat ca avocat. Stravinsky a studiat muzica pe cont propriu, apoi a început să ia lecții private de la.
Igor își datorează cunoștința fiului său Vladimir, care a studiat și dreptul. Rimski-Korsakov a fost impresionat de talentele lui Stravinski și l-a sfătuit să nu intre în conservator, întrucât tânărul avea suficiente cunoștințe. Mentorul l-a învățat în principal pe Igor abilitățile de orchestrare și i-a corectat lucrările. Datorită influenței sale, s-a asigurat că muzica elevului său este interpretată.
Muzică
În 1908, două lucrări de Stravinski - Faun și Păstoriță și Simfonie în mi bemol major - au fost interpretate de orchestra curții. În anul următor, a ajuns să-și interpreteze scherzo orchestral: a fost atât de uimit de talentul tânărului compozitor, încât l-a cunoscut imediat și a comandat mai multe aranjamente pentru baletul rusesc de la Paris. Un an mai târziu, Diaghilev apelează din nou la Stravinski, comandând acompaniament muzical pentru noul balet The Firebird.
Premiera a avut loc în vara anului 1910: un succes incredibil l-a transformat instantaneu pe Stravinsky în cel mai talentat reprezentant al noii generații. autorii muzicali. Pasărea de Foc a fost începutul unei colaborări fructuoase între Igor și trupa Diaghilev. Sezonul următor se deschide deja cu baletul Petrushka, cu un scor de Stravinsky și magnificul Vaslav Nijinsky în rolul principal.
Inspirat de succes, compozitorul a decis să scrie un fel de ritual simfonic, care în 1913 a făcut mult gălăgie în teatrul parizian. Această lucrare a fost Sărbătoarea primăverii. Publicul în timpul premierei a fost împărțit în două tabere: unii au fost revoltați de dansul ambiguu și muzica îndrăzneață, cei din urmă au salutat producția originală. Martorii au spus că dansatorii nu au putut auzi orchestra - un zgomot atât de puternic era în sală.
Vaslav Nijinsky în Petrușka a lui Stravinski Din acea zi, Stravinski a fost numit compozitorul aceluiași „Rit al primăverii” și un modernist distructiv. Igor părăsește orașul natal, împreună cu soția și copiii, în 1910 se stabilește în Franța.
Cu toate acestea, Primul razboi mondial a anulat „Anotimpurile rusești” de la Paris, iar taxele generoase s-au încheiat. În 1914, cuplul Stravinsky a ajuns în Elveția practic fără mijloace de subzistență. În acele zile, el apelează adesea la motive populare rusești, basme.
În acest moment, muzica pe care a scris Stravinski devenise mai ascetică, restrânsă, dar incredibil de ritmică. În 1914, a început să lucreze la baletul Les Noces, pe care a reușit să-l finalizeze abia în 1923. Acesta se baza pe cântece rurale rusești care au fost interpretate la nunți și nunți. În 1920, ultima capodopera, Simfonia pentru vânturi, a fost scrisă în stil rusesc.
După aceea, savoarea națională a dispărut din munca sa și a început să lucreze în stilul neoclasic. În plus, compozitorul interpretează muzica antică europeană și alte stiluri istorice interesante. Din 1924, Igor Stravinsky a încetat să scrie și a cântat ca pianist și dirijor. După al Doilea Război Mondial, concertele sale au devenit foarte populare.
Totodată, s-au reluat anotimpurile rusești, dar la un nivel modest. Ultimul balet pe care Diaghilev și Stravinski l-au creat a fost Apollon Musagete, care a avut premiera în 1928. Un an mai târziu, Diaghilev moare, iar trupa se destrămă.
Anul 1926 a fost un punct de cotitură în soarta lui Stravinsky, el a experimentat o transformare spirituală, care, desigur, a avut un impact asupra operei sale. Motive religioase apar în „Oedip Rex” al său, în cantata „Simfonia psalmilor”. Libretele acestor lucrări sunt scrise în latină. În 1939 a fost invitat la Universitatea Harvard din America, unde a citit o serie de prelegeri „Poetica muzicală”.
În anii cincizeci, în Europa a apărut o avangardă care a respins neoclasicismul îndrăgit de Stravinski, iar Stravinski a cunoscut o criză muzicală. Marea depresie în care s-a aflat Igor, s-a încheiat cu mai multe lucrări experimentale: „Cantata”, „În memoria lui Dylan Thomas”.
A continuat să lucreze, în ciuda unui accident vascular cerebral, până în 1966, ultima lucrare a fost Requiem. Această lucrare incredibil de delicată, scrisă de compozitor la vârsta de 84 de ani, a fost o mărturie a marelui talent și a energiei inepuizabile ale lui Stravinski.
Viata personala
Igor Stravinsky s-a căsătorit în 1906 cu verișoara sa Ekaterina Nosenko. Marea dragoste a tinerilor nu a oprit prezența sângelui nativ, 4 copii s-au născut în căsătorie: băieții Svyatoslav și Fedor și fetele Lyudmila și Milena. Fiii au devenit figuri culturale remarcabile: Svyatoslav - un compozitor și pianist virtuos, Fedor - un artist. Biografia lui Lyudmila Stravinskaya este interesantă prin faptul că a devenit soția poetului Yuri Mandelstam.
Catherine a suferit din cauza consumului, așa că familia a plecat în Elveția pentru iarnă - aerul umed din Sankt Petersburg nu i-a permis femeii să respire. În 1914, soții Stravinski nu au reușit să se întoarcă din Elveția în Rusia în primăvară din cauza izbucnirii Primului Război Mondial și apoi din cauza revoluției. Proprietățile și banii care au rămas în orașul lor natal au fost luate de la familie.
Igor a luat la inimă acest dezastru: pe lângă Catherine și copii, și-a susținut mama, sora și nepoții. În Rusia, în lunile revoluției, s-a creat fărădelege în toate domeniile, iar compozitorului nu i s-a mai plătit redevențe pentru interpretarea lucrărilor din cauza emigrării sale. Pentru a-și susține cumva familia, Stravinsky a trebuit să lanseze noi ediții ale lucrărilor sale.
Legendele și zvonurile nu au ocolit viața personală a lui Igor: el este creditat relatie de iubire Cu . Ea i-a întins o mână de ajutor lui Stravinsky în momentul în care acesta a rămas complet fără bani. Timp de doi ani, Igor și familia lui au locuit în vila Mademoiselle, ea a sponsorizat spectacolele lui, a hrănit și a îmbrăcat familia.
Când starea financiară a lui Stravinsky s-a îmbunătățit și el a părăsit casa lui Chanel, ea i-a trimis bani în fiecare lună timp de încă 13 ani - acest fapt neobișnuit a devenit baza legendei despre romanul dintre designerul francez și compozitorul rus. În 2009, a fost lansat lungmetrajul Coco Chanel și Igor Stravinsky, dedicat acestei relații.
În 1939, Ekaterina Stravinskaya a murit, iar un an mai târziu, după ce s-a mutat în America, muzicianul s-a căsătorit a doua oară cu Vera Sudeikina, o actriță de film mut. Împreună, Vera și Igor au trăit 50 de ani, încercând să nu fie despărțiți nici măcar un minut. În 1962, un cuplu căsătorit a fost în vizită tara natala- la Moscova și Leningrad, întâlnirea a fost difuzată la televizor.
Moarte
Compozitorul a murit pe 6 aprilie 1971, cauza morții a fost insuficiența cardiacă. Soția sa Vera Arturovna l-a îngropat la Veneția, în partea rusească a cimitirului San Michele, nu departe de mormântul lui Diaghilev. După 11 ani, soția va fi înmormântată lângă soțul ei.
Numele lui Stravinsky a fost imortalizat în repetate rânduri: este purtat de școala de muzică din Oranienbaum, o navă turistică și o aeronavă Aeroflot. În onoarea lui Stravinsky, în Ucraina are loc în fiecare an un festival internațional de muzică.
Discografie
- 1906 - „Faunul și păstorița”
- 1908 - „Scherzo fantastic”
- 1910 - baletul „Pasarea de foc”
- 1911 - Baletul „Petrushka”
- 1913 - „Primăvara sacră, imagini ale Rusiei păgâne în două părți”
- 1914 - basm „Privighetoarea”
- 1918 - basm „Povestea unui soldat”
- 1920 - baletul „Pulcinella”
- 1922 - opera „Mavra”
- 1923 - scene coregrafice „Nunta”
- 1927 - opera „Oedip Rex”
- 1928 - baletul „Apollo Musagete”
- 1930 - „Simfonia psalmilor”
- 1931 - Concertul pentru vioară D-dur
- 1942 - Concert Dansuri
- 1954 - „4 cântece rusești”
- 1963 - „Avraam și Isaac”
- 1966 - „Cântări pentru morți”
Interviu cu Philip Hasher, 2009
Boulez face analogii între opera lui Stravinsky, Picasso și Kandinsky. Am adăugat câteva reproduceri pentru a clarifica ce a vrut să spună Boulez. Și în același timp - are sau nu dreptate.
– Stravinsky a început să lucreze la cele patru studii în 1914. S-a simțit la vremea aceea la o răscruce de drumuri, după senzaționala premieră de anul trecut a filmului The Rite of Spring?
- După părerea mea, aceasta este cea mai interesantă perioadă pentru Stravinski și încă regret că Stravinsky s-a interesat ulterior de neoclasicism în loc să dezvolte ceea ce plănuise în acești ani. Destul de ciudat, dar atunci s-au născut toate viitoarele sale capodopere. A fost o perioadă de căutări. De exemplu, primele trei studii sunt superb orchestrate, este chiar greu de imaginat că Stravinsky le-a scris inițial pentru cvartet de coarde. Al doilea studiu este o capodoperă absolută, aici a apărut umorul atât de organic pentru Stravinsky - ascuțit și bine țintit. Restul studiilor sunt, într-un anumit sens, mai tradiționale. Primul este ceva ca un marș rusesc. Adevărat, conține deja acele ritmuri neregulate care mai târziu vor fi auzite în „Svadebka”. Acest lucru este minunat, pentru că în acest fel puteți urmări câteva dintre originile Nunții. Al treilea studiu este o cântare, în care sunetul instrumentelor de suflat din lemn contrastează cu sunetul corzilor. Uneori vreau să cânt doar primele trei piese, sunt foarte omogene, iar al patrulea studiu diferă puternic de ele. Dacă vorbim despre întregul ciclu, atunci aceasta este o muzică complet diferită.
– Care este particularitatea celui de-al patrulea studiu?
- Al patrulea studiu este un fel de schiță simplă, Stravinsky a făcut astfel de lucruri perfect. Cred că Stravinski s-a arătat cel mai bine atunci când a trebuit să înfățișeze ceva, să povestească despre ceva. În „Pasarea de foc”, „Petrushka”, „Saritul primăverii”, „Nunta”, el acționează ca un povestitor și reușește. Stravinski avea o imaginație bună. Dar când a încercat să scrie muzică „pură”, a făcut-o mai puțin convingător, întrucât gândirea sa compozițională este diferită de cea a lui Beethoven, Brahms sau Bruckner. Dezvoltarea ideilor pur muzicale nu este domeniul lui.
- În 1919, Stravinski a început să scrie „Pulcinella” - prima și, poate, cea mai bună compoziție a sa din perioada neoclasică. Ai spus odată că neoclasicismul este o fundătură, dar poate este o abatere de la drumul principal, interesant în felul său?
- Eu nu cred acest lucru. Dar "Pulcinella" - un caz special pentru că este un joc. „Oedipus Rex” nu este un joc, „Apollo Musagete” nu este un joc, Stravinski este complet serios în aceste lucruri. Cu cel mai remarcabil artist al acelei generații – Picasso – s-a întâmplat același lucru. După lucrările izbitoare ale perioadei cubiste, a început să picteze femei pe plajă. În comparație cu picturile anterioare, totul părea jalnic. Au fost vremuri mai bune - perioada magnificului „Guernica”. Dar în ultimii ani, când el, ca să zic așa, a făcut „transcripții” unor tablouri celebre, nu s-a întâmplat nimic impresionant. Calea lui Picasso a fost neuniformă. După cum se spune, ar trebui să mergi pe drumul tău numai dacă crește. Ceva similar s-a întâmplat cu Kandinsky. În opinia mea, cele mai bune lucrări ale sale au fost create în 1911 și 1916, ele sunt caracterizate de o plasticitate absolut frenetică. Lucrările scrise mai târziu, în anii Bauhaus, unde totul este subordonat geometriei, nu mai sunt la fel.
Pablo Picasso. Fata cu mandolina, 1910
Pablo Picasso. Scăldătoare, 1918
Pablo Picasso. Portretul unei femei (după Lucas Cranach), 1958
Vasili Kandinsky. Improvizație nr. 21A, 1911
Vasili Kandinsky. Tensiune moale, 1923
- Ai numit „Pulcinella” un joc. Cum diferă de lucrările ulterioare?
- Da. Stravinski nu a luat cele mai bune fragmente muzicale din Pergolesi - este puțin probabil să le amintiți prima dată - și le-a dat o nouă viață. Parcă ai pictat un monument vechi cu culori foarte strălucitoare – și atunci nu mai vezi ce a fost înainte, vezi doar culori. Îmi place să dirijoresc Pulcinella, atunci mi se pare că țin o jucărie în mâini.
– Ce s-a întâmplat în un sfert de secol care a despărțit Pulcinella și Simfonia în trei mișcări? A mai rămas ceva din neoclasicism în această așa-zisă simfonie?
- Da, desigur, partea a doua este cel mai pur neoclasicism și, după părerea mea, această parte este cea mai puțin reușită. Lucrările neoclasice scrise după Pulcinella - Oedipus Rex, Apollo Musagete, Cărți de joc, după părerea mea, sunt exagerate și forțate, nu există naturalețe în ele. Este ca și cum ai încerca să construiești ceva ca un templu grecesc fără o singură piatră.
– Dar nu se poate spune că lui Stravinski i s-a refuzat inspirația în această Simfonie.
Cât despre ritm, da. Desigur, există și ceva „stravinian comun”. Dar chiar și Mozart și Beethoven au „locuri comune” inerente în ei - asta face parte din personalitatea lor. Cel mai bun lucru la Simfonie este prima mișcare și un fragment din a treia mișcare, care se simte ca și cum Stravinski încerca să portretizeze ceva. În prima parte există un loc care amintește de Ritul Primăverii, care este complet neașteptat. Când am auzit prima dată simfonia - a fost la un concert în Franța, după război - m-am gândit: „Oh, există iar o suflare de „Primăvară”!”
– Astăzi, percepi Pulcinella sau Simfonia în trei mișcări altfel decât atunci când te-ai întâlnit?
– Există un proverb francez: „Numai idioții nu se răzgândesc”, și în acest sens sunt un idiot complet, pentru că nu m-am răzgândit nici măcar un pic în privința acestor două lucruri. Mi-au plăcut și încă îmi plac.
Cu soția sa a plecat de la Riga la Londra pe o barcă cu pânze. De obicei, o astfel de călătorie nu dura mai mult de șapte zile, dar apoi a durat trei săptămâni din cauza unei furtuni puternice, în care marinarii superstițioși îngroziți au dat vina pe pasageri. Pentru R. Wagner, această călătorie a devenit o sursă de inspirație – a fost surprins de romantismul mării. Când nava s-a spălat pe coasta norvegiană, în fața unui sat de pescari, a găsit o „scenă” potrivită pentru evenimentele viitoarei sale opere. S-a găsit și o intriga potrivită - o nuvelă de G. Heine „Memoriile Herr von Schnabelevopsky”, mai exact, intriga romanului scriitorului englez F. Marietta „Ghost Ship” reluată în ea. Această lucrare, care îmbină trăsăturile unui roman gotic și maritim, s-a bazat pe legenda „Olandezului zburător”... Dar dacă G. Heine spune această poveste cu ironia lui obișnuită, atunci R. Wagner o ia foarte în serios.
Legenda „Olandezului zburător” - o navă fantomă fără adăpost, sortită să navigheze pe mările pentru totdeauna - este cunoscută în diferite versiuni, iar R. Wagner a ales-o pe cea mai romantică dintre ele: o dată la șapte ani, corabia aterizează pe țărm și dacă căpitanul întâlnește o femeie care îl iubește și va fi credincios până la moarte, își va găsi pacea.
R. Wagner a scris libretul operei Olandezul zburător în 1840 și l-a oferit lui L. Piye, directorul Marii Opere din Paris. Nu a vrut să aibă de-a face cu un compozitor necunoscut, dar i-a plăcut libretul și a oferit cinci sute de franci pentru el - pentru ca altcineva să scrie muzica. Cu disperare nevoie de bani, R. Wagner a fost de acord, iar opera, numită Marinarul rătăcitor, a fost scrisă de Pierre-Louis Diech, directorul șef de cor al teatrului, care nu mai crease niciodată opere (spre deosebire de R. Wagner, care până atunci era autorul a patru lucrări din acest gen - „Zâne”, „Novice din Palermo”, „Iubire interzisă” și „Rienzi”). Cu toate acestea, R. Wagner, care a fost dus de complot, nu a fost jenat de acest lucru - s-a pus pe treabă la muzica lui „Olandezul zburător”.
Dacă operele anterioare ale lui R. Wagner au fost în multe privințe imitații, atunci în opera Olandezul zburător el se declară mai întâi ca un compozitor consacrat, cu propria sa „scriere de mână” - aici pentru prima dată, deși nu în întregime, trăsături care pot fi numit cu adevărat wagnerian. Arii, duetele și corurile sunt încă fragmente relativ complete - dar se simte deja dorința de a depăși această rotunjime: numerele sunt combinate în scene dramatice și, de asemenea, se întâmplă ca numărul însuși să dobândească sensul unei scene - ca, pt. exemplu, monologul olandezului din primul act. inerente operei și altele caracteristică Drama muzicală wagneriană - un sistem de laitmotive. Mai sunt câteva dintre ele în această operă - chemarea olandezului, tema lui Senta. Ele apar pentru prima dată în uvertură, care nu numai că pictează o imagine impresionantă a unei mări furtunoase, ci și exprimă într-un mod generalizat ideea operei.
Deschizând noi drumuri, opera Olandezul zburător continuă în același timp tradițiile operei romantice germane fondate de K. M. Weber. Aceasta constă nu numai în referirea la complotul legendar, ci și în alternarea scenelor populare-cotidiene și fantastice. Atât în acelea, cât și în altele rol important aparține corului, a cărui utilizare de către compozitor este construită într-un fel de plan dramatic: în primul act - doar corul masculin (marinarii), în al doilea - doar corul feminin (filatori), în actul al treilea. - amândouă, și doar în final apare amestecat. Scenele corale nu sunt izolate de numerele solo - de exemplu, refrenul care se rotește în actul al doilea „curge” direct în balada lui Senta. Cea mai dinamică este scena corală extinsă din actul al treilea: provocatorul cor de marinari „Crimier! Jos de ceas!”, care amintește de cântecele populare germane, iar corul sumbru al marinarilor navei fantomă „răspunde” la cea feminină mai blândă.
R. Wagner a finalizat opera Olandezul zburător în noiembrie 1841, dar premiera a avut loc abia în ianuarie 1843. Acest lucru s-a întâmplat la Dresda, unde opera anterioară a compozitorului, Rienzi, a fost un succes, ceea ce a devenit motivul interesului Direcției Teatrului din Dresda pentru noua lucrare a lui R. Wagner. Printr-o ciudată coincidență, în aceeași lună, a avut loc și ultima – a unsprezecea – reprezentație din „Marinarul rătăcitor” de Pierre-Louis Ditch, apărută grație libretului cumpărat de la R. Wagner... Ambele opere au fost foarte rece. primit de public – totuși, „The Wandering Sailor” aclamat de critică. Soarta operelor (și a compozitorilor!) s-a dovedit a fi inversă: Marinarul rătăcitor nu a mai fost pus în scenă, iar Pierre-Louis Dietsch, dezamăgit de eșec, nu a mai creat operă. Olandezul zburător de R. Wagner în anii următori a fost pus în scenă la Riga, Berlin, Zürich, Praga și alte orașe - lucrarea a avut succes, care o însoțește până în zilele noastre, iar R. Wagner a creat multe alte opere care dezvoltă noi principii stabilite. jos în The Flying Dutchman.
Sezoane muzicale
„Olandez zburător” (din germanul „Der Fliegende Holländer”)
este o operă romantică. Muzică și libret de Wilhelm Richard Wagner.
Premiera a avut loc la 2 ianuarie 1843 la Dresda sub bagheta compozitorului.
Intriga operei se bazează pe o veche legendă din poveste „Memoriile domnului von Schnabelevopsky”(„Aus den Memoiren des Herren von Schnabelewopski”) de Heinrich Heine. Odată, căpitanul Straathen a jurat că va încerca pentru totdeauna să cucerească inexpugnabilul Cap al Bunei Speranțe, chiar dacă ar trebui să petreacă o veșnicie pe el. De atunci, nava lui a fost condamnată să cutreiere mările și oceanele. Un singur lucru l-ar putea salva pe olandez - o dată la șapte ani ar putea merge la țărm în căutarea unei soții credincioase și, dacă ar putea găsi una, ar fi iertat. Dacă deodată soția se dovedește a fi infidelă soțului ei, va fi și ea blestemată. Și apoi, într-o zi, olandezul a avut din nou ocazia să-și salveze sufletul. Prin voința sorții, el găsește o fată care simte adevărata compasiune către el. Nunta se apropie, dar un accident fatal strică planurile tânărului salvator și rătăcitor: eroul blestemat a asistat accidental la conversația dintre mireasa lui și Eric, care este îndrăgostit de ea. Olandezului i se pare că nici la Saintes nu își va găsi loialitate. Curând, el își dezvăluie teribilul secret despre blestem și se grăbește să părăsească malul pentru a o salva. Dar ca dovadă a loialității ei, Senta se aruncă de pe o stâncă în mare. În același moment, blestemata navă se scufundă, iar în depărtare se văd două imagini strălucitoare - căpitanul Straaten și Senta.
Scenele fantastice sunt strâns împletite în viața de zi cu zi a personajelor. Forțele naturii joacă un rol deosebit: imaginile unei mări furtunoase, cântarea ciudată a unei echipe fantomatice fac o impresie vie asupra privitorului. Exact opera Olandezul zburător marchează stilul individual al compozitorului care se formase până atunci.
Istoria creației.
Chiar și cu trei ani înainte de apariția operei Olandezul zburător, o legendă străveche a atras atenția lui Richard Wagner. A fost profund mișcat de o tragedie romantică învăluită într-un mister sinistru. Interesul pentru istorie a fost mai ales agravat după o lungă călătorie cu vaporul până la Londra. O furtună teribilă, fiorduri norvegiene formidabile, povești de marinari - toate acestea au atras imagini vii, ca și cum ar reînvia eroii unei vechi legende. În 1840, Richard Wagner a scris un libret bazat pe intriga romanului Heinrich Heine. Compozitorul Louis Ditch a scris muzică pentru acest text în decurs de un an. Dar în curând Wagner s-a pus din nou pe treabă - și-a finalizat propriul libret și și-a scris propriul acompaniament muzical. Faceți-o în premieră "Olandezul zburător" a avut loc în 1843, însă, recunoașterea a venit în fața lucrării abia după ce Wagner a câștigat succesul mondial.
Fapte interesante:
- În 1939, Richard Wagner a fugit de creditori pe nava Thetis, cu destinația Londra. Nava a fost prinsă de o furtună puternică. Atunci ritmul furtunii s-a scufundat în sufletul compozitorului - a auzit ecoul exclamațiilor echipei, care a ridicat pânzele și a coborât ancora. Acest ritm a servit drept bază pentru cântecul marinar din The Flying Dutchman.