Fragmente separate incluse în corpusul final al lucrării au fost scrise încă din anul, dar Liturghia în ansamblu a fost finalizată abia la sfârșitul anului 1738. În forma sa finală, niciodată interpretată în timpul vieții lui Bach, există de atunci 1749.
Autograf al primei foi din „Credo”.
Structura de masă
I. Kyrie- Kyrie eleison- Doamne, miluiește. Cor cu 5 voci (Soprana I, II, Alto, Tenor, Bas)
- Christe eleison- Hristoase, ai milă. Duet (soprano I, II)
- Kyrie eleison- Doamne, miluiește. Cor cu 4 voci (Sopran, Alto, Tenor, Bas)
- Gloria in excelsis Deo- Slavă lui Dumnezeu în Cea de sus. Cor cu 5 voci (Soprana I, II, Alto, Tenor, Bas)
- Et in terra paxȘi pace pe pământ. Cor cu 5 voci (Soprana I, II, Alto, Tenor, Bas)
- Laudamuste- Te lăudăm. Aria (soprano II)
- Gratias agimus tibi- Mulțumesc. Cor cu 4 voci (Sopran, Alto, Tenor, Bas)
- Domine Deus- Doamne Dumnezeule. Duet (soprano I, tenor)
- Qui tollis peccata mundi- Luând păcatele lumii. Cor cu 4 voci (Soprana II, Alto, Tenor, Bas)
- Qui sedes ad dexteram Patris- Cel ce șade de-a dreapta Tatălui. Aria (alto)
- Quoniam tu solus sanctus Căci numai Tu ești Sfânt. Aria (bas)
- Cum Sancto Spiritu- Cu Duhul Sfânt. Cor cu 5 voci (Soprana I, II, Alto, Tenor, Bas)
- Credo in unum Deum- Cred într-un singur Dumnezeu. Cor cu 5 voci (Soprana I, II, Alto, Tenor, Bas)
- Patrem omnipotentem- Părinte Atotputernic. Cor cu 4 voci (Sopran, Alto, Tenor, Bas)
- Et in unum Dominum- Și întru Unul Domn (Iisus Hristos). Duet (soprano I, alto)
- Et incarnatus est- Și încarnat. Cor cu 5 voci (Soprana I, II, Alto, Tenor, Bas)
- Crucifixus- Răstignit. Cor cu 4 voci (Soprana II, Alto, Tenor, Bas)
- și resurrexit- Și a înviat. Cor cu 5 voci (Soprana I, II, Alto, Tenor, Bas)
- Et in Spiritum Sanctum- Și în Duhul Sfânt. Aria (Bas)
- Confitor- Mărturisesc. Cor cu 5 voci (Soprana I, II, Alto, Tenor, Bas)
- Et expecto- Ceai (învierea morților). Cor cu 5 voci (Soprana I, II, Alto, Tenor, Bas)
- Sanctus- Sfânt este Domnul oștirilor. Cor cu 6 voci (Soprana I, II, Alto I, II, Tenor, Bas)
- Osana- Osana în Cea mai înaltă. Cor cu 8 voci (dublu) (Soprana I, II, Alto I, II, Tenor I, II, Bas I, II)
- Benedictus- Binecuvântat. Aria (tenor)
- Hosanna (da capo)- Osana (sfârșit). Cor cu 8 voci (dublu).
- Agnus Dei- Mielul Domnului. Aria (alto)
- Dona nobis pacem- Dă-ne pace. Cor cu 4 voci (Sopran, Alto, Tenor, Bas). Muzica repetă „Gratias agimus tibi” din „Gloria”.
Artiști de seamă
Legături
- Helmuth Rilling Mass în si minor (flash)
Fundația Wikimedia. 2010 .
- Campania mesopotamiană
- limba mesapiană
Vedeți ce este „Liturghia în si minor” în alte dicționare:
Masa (piesa muzicala)- Simone Martini „Cântarea religioasă la liturghie” Acest termen are alte sensuri, vezi Liturghie. Liturghia este o piesă muzicală care... Wikipedia
masa- uh. 1) Masa catolică, slujba principală Biserica Catolica. Sărbătorește liturghia de dimineață. 2) O lucrare corală polifonică muzicală bazată pe textul acestei slujbe. Liturghia solemnă a lui Beethoven. Etimologie: împrumutat de la ...... Dicționar popular al limbii ruse
si minor- Simbolul acordului tonic: h, Hm Tonalitate paralelă: D dur Tonalitate dominantă: fis moll / Fis dur Tonalitate subdominantă: e moll Scala minoră naturală: h cis ^ d e fis ^ g a h Scala minoră armonică: h cis ^ ... Wikipedia
Requiem în do minor (Cherubini)- Requiem în do minor pentru cor mixt și orchestră, o masă de recviem (lat. Requiem) de Luigi Cherubini, compusă în 1816. Luigi Cherubini ... Wikipedia
Listă de compoziții de Johann Sebastian Bach- Sonata pentru vioară în sol minor (BWV 1001), manuscris Bach Astăzi sunt cunoscute peste 1.000 de piese muzicale scrise de Johann Sebastian Bach. Mai jos... Wikipedia
Bach, Johann Sebastian- Johann Sebastian Bach Johann Sebastian Bach Portretul lui Bach (1746) Os ... Wikipedia
BACH- cea mai mare dinastie muzicală germană. Johann Sebastian Bach este cel mai mare, dar nicidecum ultimul dintre reprezentanții săi. Datorită genealogiei compilate de Johann Sebastian, istoria unei familii care a trăit în Germania Centrală poate fi urmărită până la ... ... Enciclopedia Collier
J. S. Bach
Johann Bach- Johann Sebastian Bach Johann Sebastian Bach Portretul lui Bach (1748) Data nașterii 21 martie 1685 (16850321) Locul nașterii Eisenach ... Wikipedia
Corul Academic de Stat Yurlov al Rusiei- o echipă de renume mondial, una dintre cele mai vechi din Moscova. Istoria sa merge înapoi la corul de amatori al directorului corului Ivan Yukhov, creat la începutul secolelor XIX și XX. Un eveniment fatidic din istoria echipei a fost numirea în 1958 în funcția de lider al acesteia Alexander Yurlov (1927–1973). În anii 1960, sub conducerea unui remarcabil maestru de cor, Capella a fost promovat în rândurile celor mai bune formații muzicale din țară. Corul colaborează cu renumiți compozitori Georgy Sviridov și Dmitri Șostakovici, devenind primul interpret al lucrărilor lui Vladimir Rubin și Rodion Shchedrin. Succesorii lui Alexander Yurlov au fost muzicieni talentați, dirijor-maeștri de cor Yuri Ukhov și Stanislav Gusev, care au făcut mult pentru a crește faima colectivului.
Din 2004, Capella este condusă de Gennady Dmitryak, lucrator de artă onorat al Rusiei, profesor, unul dintre cei mai importanți dirijori de coră, operă și simfonie din Rusia. Sub conducerea sa, Capella a trecut din nou în prim-planul vieții de concert a țării, a început să implementeze proiecte creative majore. Printre acestea se numără festivalurile de muzică „Kremlinul și Templele Rusiei”, „Iubirea Sfântă”, reînviind tradițiile concertelor educaționale vocale și corale. În 2016, în cadrul festivalului Kremlins și Templele din Rusia, Corul a susținut concerte la Moscova, Nijni Novgorod, Veliky Novgorod, Yaroslavl, Pskov și Kostroma.
Geografia turneului Capellei acoperă întregul teritoriu al Rusiei de la Magadan până la Kaliningrad - orașul Inelului de Aur, regiunea Volga, Urali și Siberia. Concertele trupei în Spania, Grecia, Marea Britanie, Belarus, Armenia, Polonia, Ucraina, Coreea de Nord și țările baltice au fost un succes uriaș. Ansamblul este un participant regulat la Festivalul de Paște de la Moscova, Marele Festival al Orchestrei Naționale Ruse, Festivalul Internațional Mstislav Rostropovici, Festivalul Internațional de Adunări Corale, festivaluri din Spania, Grecia, Polonia, Lituania și alte evenimente majore. În primăvara anului 2014, Capella a participat activ la pregătirea și desfășurarea a XXII-a Jocurilor Olimpice de iarnă și a XI-a Jocurilor Paralimpice de iarnă de la Soci.
Printre dirijorii simfonici care lucrează cu Capella se numără Valery Gergiev, Yuri Bashmet, Mihail Pletnev, Serghei Skripka, Dmitri Yurovsky, Vladimir Yurovsky, Alexander Sladkovsky, Pavel Kogan, Teodor Currentzis. Repertoriul corului include aproape toate lucrările genului cantată-oratoriu din muzica rusă și vest-europeană - de la Liturghia în si minor a lui Bach până la lucrări de Britten, Bernstein, Schnittke, Kancheli, Tavener. Un proiect major al Capella în ultimii ani a fost înregistrarea în studio a Antologiei de lucrări corale de Georgy Sviridov, dedicată aniversării a 100 de ani de la nașterea compozitorului.
Orchestra de Cameră de Stat „Virtuozii din Moscova”
În 1979, remarcabilul violonist Vladimir Spivakov a unit cei mai puternici muzicieni ai capitalei ruse în orchestra de cameră Virtuosi din Moscova. Ansamblul stelar de solisti si acompaniatori din cele mai bune trupe din Moscova, care includea membri ai celebrului Cvartet Borodin Mihail Kopelman, Andrey Abramenkov, Dmitry Shebalin si Valentin Berlinsky, a predat bagheta noilor generatii de muzicieni talentati - castigatori si laureati internationali si ai tuturor. - Competiții rusești. Anii trec, dar profesionalismul, priceperea și etica înaltă a relațiilor în echipă rămân încă pe primul loc.
Concertele Virtuozilor din Moscova au loc în triumf în tari europene, SUA, Canada, Mexic, state America de Sud, Israel, China, Coreea, Japonia, Turcia etc. Muzicienii concertează în cele mai bune săli ale lumii (Concertgebouw din Amsterdam, Musikverein din Viena, Royal Festival Hall și Albert Hall din Londra, Pleyel și Teatrul Champs Elysees din Paris, Carnegie -hall și Avery-Fisher Hall din New York, Suntory Hall din Tokyo etc.), precum și în locurile de concert obișnuite din orașele mici. Geografia turneului Virtuosi de la Moscova include și toate regiunile Rusiei și spațiul post-sovietic. „Pentru noi, nu există oameni mici, nu există orașe mici”, spune Vladimir Spivakov. „Călătoriile prin Rusia sunt neprețuite, iar întâlnirile cu un public minunat sunt unice.”
Muzicieni de seamă au cântat alături de Virtuosii Moscovei: Mstislav Rostropovich, Elena Obraztsova, Yehudi Menuhin, Vladimir Krainev, Saulius Sondetskis, Jesse Norman, Yuri Bashmet, Maxim Vengerov, Khibla Gerzmava, Evgeny Kissin, Misha Maisky, Denis Matsuev, Mikhail P Mintznev, Shlomoil Julian Rachlin, Giora Feidman, Michel Legrand, Pinchas Zukerman. Orchestra a fost condusă de Rudolf Barshai, Christian Zacharias, Peter Gut, Andres Mustonen, Dmitry Sitkovetsky, Vladimir Feltsman, Teodor Currentzis și alții. Tinere talente concertează cu orchestra, unele dintre ele - violonistul suedez Daniel Lozakovich, violoncelistul israelian Daniel Akta, pianistul rus Alexander Malofeev - au devenit astăzi adevărate vedete. Programul de concert intitulat „Virtuoșii Moscovei. Azi și mâine” cu participarea bursierilor talentați ai Fundației Internaționale de Caritate Vladimir Spivakov, laureați ai competițiilor internaționale.
Repertoriul vast al orchestrei include muzică de diferite stiluri și epoci, de la baroc până la lucrări de Dmitri Şostakovici, Serghei Prokofiev, Bela Bartok, Astor Piazzolla, Krzysztof Penderetsky, Rodion Shchedrin, Alfred Schnittke, Sofia Gubaidulina, Arvo Pärt și Gia Kancheli. „Virtuosos” a lansat câteva zeci de CD-uri sub etichetele de top din lume. Orchestra continuă munca grea, menținând cel mai înalt nivel de performanță și dreptul la numele ambițios „Virtuoșii Moscovei”, unde fiecare muzician este un individ strălucitor și toți împreună - o echipă de clasă mondială. Se remarcă printr-o cultură europeană înaltă a performanței ansamblului, atenția la cele mai mici detalii, o poziție creativă activă în raport cu ideea autorului, o strălucită artă, dragoste și respect pentru public.
Violonistul și dirijorul Vladimir Spivakov a fost directorul artistic permanent și dirijorul șef al orchestrei de cameră Virtuosi din Moscova încă de la înființare. Datorită maestrului Spivakov, de mulți ani de muncă minuțioasă cu orchestra, Virtuoșii Moscovii au un public permanent în întreaga lume, recunoaștere și cea mai înaltă reputație câștigată de-a lungul anilor de muncă grea. Virtuozii Moscovei reușesc să emoționeze și să captiveze orice ascultător, să-i ofere bucuria de a comunica cu capodopere și să trezească în el dorința de a veni din nou la concert. „Pentru noi”, spune
Vladimir Spivakov, „creativitatea a devenit o nevoie, iar munca a devenit o artă, care, în cuvintele lui Pablo Picasso, spală praful vieții de zi cu zi din suflet”.
Ghenadi Dmitriak
Ghenadi Dmitriak– dirijor de coră, operă și simfonie, artist popular al Rusiei, director artistic și dirijor principal al Corului Academic de Stat al Rusiei, numit după AA Yurlov, profesor al Departamentului de Coral Modern al Conservatorului de Stat PI Ceaikovski din Moscova și al Departamentului de Coră Dirijarea Academiei Ruse de Muzică numită după Gnessin.
Muzicianul a fost educat la Institutul Muzical și Pedagogic de Stat Gnesins și la Conservatorul de Stat Ceaikovski din Moscova. Profesorii și mentorii săi au fost muzicieni celebri A. Yurlov, K. Kondrashin, L. Ginzburg, G. Rozhdestvensky, V. Minin, V. Popov.
Gennady Dmitryak a lucrat ca dirijor la Teatrul Muzical de Cameră din Moscova sub conducerea BA Pokrovsky, Teatrul de Operă și Balet numit după G. Lorca din Havana, Corul de Cameră din Moscova, Corul Academic de Stat Rus al URSS condus de V. Minin , Teatrul Academic Muzical numit după K. S. Stanislavsky și V. I. Nemirovici-Danchenko, Teatrul Nou de Operă numit după E. V. Kolobov.
În 1991, a creat și până în 2006 a condus un cor unic - Ansamblul de solisti „Capella” Moscova Kremlinul „”, care a susținut peste o mie de concerte, a efectuat zeci de turnee.
Potențialul creativ al lui Gennady Dmitryak a fost dezvăluit pe deplin în funcția de director artistic și dirijor șef al Corului Academic de Stat al Rusiei, numit după A. A. Yurlov. Datorită profesionalismului său ridicat și energiei creative, Capella a ocupat un loc de frunte între corurile țării, geografia turneelor rusești și străine ale grupului s-a extins semnificativ, iar repertoriul său a fost completat cu compoziții de muzică modernă.
Gennady Dmitryak cântă nu numai ca coral, ci și ca dirijor de simfonie. Acest lucru a permis Capella să implementeze o serie de proiecte muzicale majore într-o alianță creativă cu orchestre simfonice binecunoscute: Orchestra Simfonică Academică de Stat din Rusia, numită după E.F. Svetlanov, orchestre " Noua Rusie”, „Filarmonica Rusă”, Orchestra Simfonică Academică de Stat din Moscova, condusă de Pavel Kogan.
O direcție importantă în activitatea de creație a dirijorului este interpretarea lucrărilor compozitorilor ruși contemporani: A. Larin, A. Karamanov, G. Kancheli, V. Kobekin, A. Ceaikovski, A. Schnittke, R. Shchedrin și alții.
Gennady Dmitryak este inițiatorul și directorul artistic al festivalurilor de muzică din toată Rusia. Unul dintre ele este Holy Love Festival, care reînvie tradițiile de a susține mari concerte vocale și simfonice în stil Yurlov, reunind mari grupuri orchestrale și corale de profesioniști și amatori pe scenă și în aer liber (în format Open Air). Este, de asemenea, festivalul Kremlins și Templele din Rusia, menit să revigoreze tradiția interpretării operelor corale ale compozitorilor ruși în atmosfera autentică a monumentelor istorice antice rusești. În 2016, programul festivalului Kremlins și Bisericile Rusiei a inclus concerte în biserici și mănăstiri din Moscova, Nijni Novgorod, Veliky Novgorod, Yaroslavl, Pskov și Kostroma.
Sub conducerea lui Gennady Dmitryak, capela desfășoară activități sociale și educaționale, realizând programe din compozițiile muzicii corale rusești în regiunile Rusiei. El conduce diverse activități publice în calitate de membru al Prezidiului Societății Corale All-Russian: dirijorul a fost unul dintre inițiatorii creării Corului de copii de 1000 de voci din Rusia; acționează ca președinte și membru al juriului al festivalurilor și recenziilor corurilor din toată Rusia, inclusiv la Centrul Internațional pentru Copii Artek.
Dirijorul a participat la interpretarea și înregistrarea noului Imn Federația Rusă, a participat la inaugurarea președintelui Rusiei V.V. Putin în 2004 în Marele Palat al Kremlinului, a fost șef de cor al corurilor combinate în timpul sărbătoririi aniversărilor Victoriei în Mare Război patriotic. În cadrul celui de-al 4-lea Forum al Alianței ONU a Civilizațiilor din Qatar, în decembrie 2011, el a acționat ca director șef de cor al tuturor programelor sale culturale. A participat la ceremonia de deschidere și la programul cultural al Jocurilor Paralimpice de la Soci-2014.
Gennady Dmitryak a lansat peste 20 de CD-uri cu înregistrări de studio ale capodoperelor muzicii corale rusești. Printre acestea se numără programele tematice „Din fondul de aur al capelei”, „Cu dragoste pentru Rusia”, „Sufletul meu plânge pentru rai”, „Fie ca rugăciunea mea să fie corectată”, Recviemul lui A. Schnittke, „Vegherea toată noaptea” de S. Rahmaninov, „Nunta” și Cântecele Stravinski și Kursk de G. Sviridov. Continuitatea tradițiilor lui Yurlov se dezvăluie în atitudinea specială a lui Gennady Dmitryak față de opera lui Georgy Sviridov. Sub conducerea dirijorului, echipa a realizat o înregistrare în studio a Antologiei operelor corale ale compozitorului.
Prin decretul președintelui Rusiei D. A. Medvedev din 14 iunie 2010, pentru mulți ani de activitate fructuoasă și contribuție la dezvoltarea culturii naționale, Ghenady Dmitryak a primit medalia Ordinului Meritul pentru Patrie, gradul II. Munca dirijorului în domeniul popularizării muzicii sacre rusești, păstrarea și sporirea valorilor creștine în societatea modernă a primit ordinele rusești. biserică ortodoxă- Sfântul Principe Daniel al Moscovei (2012) și gradul I „Slavă și Onoare” (2017). În 2018, Gennady Dmitryak a primit titlul de Artist al Poporului al Federației Ruse.
Irina Kostina
Irina Kostina- Absolvent al Academiei Ruse de Artă Teatrală (atelierul lui Alexander Titel și Igor Yasulovich, clasa Nataliei Pustova).
Cântăreața este laureată a Festivalului de creativitate studențească de la Moscova „Festos” (festival de gen „Academia vocală „Voce”, Moscova, 2008), precum și o serie de competiții internaționale: „Lumânare magică” (premiul I, Kiev, 2001). ), „Micul Prinț” (Marele Premiu, Chișinău, 2002), „Musica clasică” (premiul I, Ruza, 2010), XXIV Concurs Vocal Glinka (premiul II, Moscova, 2011), Concurs II Vocal M. Magomayev ( Premiul III, Moscova, 2012), Concursul VIII al vocaliștilor Bibigul Tulegenova (premiul I, Almaty, 2016) și altele.
Din 2011, Irina Kostina este solistă a Teatrului Nou de Operă din Moscova, numit după EV Kolobov, unde a interpretat părți în spectacolele Flautul magic și Le nozze di Figaro de Mozart (Prima Doamnă și Susanna), Bărbierul din Sevilla de Rossini. (Rosina) , „Rigoletto” de Verdi (Gilda), „Gianni Schicchi” de Puccini (Lauretta, Gherardino), „Capuleți și Montecchi” de Bellini (concert, Julieta), „Love Potion” de Donizetti (Adina), „ Romeo și Julieta” de Gounod (Juliet ), Dido și Enea de Purcell cu un prolog de M. Nyman (Belinda Brien), Școala de soții a lui Martynov (Doamna Duparc), Fecioara zăpezii de Rimski-Korsakov (Crăiasa zăpezii); rol de soprană în cantata „Carmina Burana” de Orff; roluri în producții de teatru din Cei zece soprano ai Operei Novaya, All This Is Opera!, Valsuri, Tangouri, Foxtrots, Opera&Jazz, Poveștile unei bătrâne bunici, Johann Strauss, Regele Valsurilor, Viva Verdi! .
Din 2015 este solistă invitată a Teatrului Bolșoi din Rusia, unde a debutat ca Gerda (Povestea lui Kai și Gerda de Banevici), iar apoi a interpretat rolul de soprană în povestea vocală a lui Prokofiev Răța urâtă (performanță Povești despre Vulpea, Rața și Balda) .
Irina Kostina evoluează pe cele mai bune scene ale capitalei - în Sala Mare a Conservatorului, Sala de concerte Ceaikovski, sălile Casei Internaționale de Muzică din Moscova, în Armeria Kremlinului din Moscova; colaborează cu Corul Academic de Stat al Rusiei, numit după A. A. Yurlov, Orchestra Simfonică de Stat „Noua Rusia”. A participat la Festivalul Memorial Irina Arkhipova de la Palatul Yauza, unde a cântat cu Orchestra Simfonică Radio Orpheus dirijată de Serghei Kondrashev (2012); la XXXII Festival Internațional de Muzică numit după S. V. Rachmaninov din Tambov (cu Orchestra Simfonică Tambov dirijată de Mihail Leontiev, 2013); a cântat cu Alexei Tatarintsev la Filarmonica Regională din Ryazan (cu Orchestra Simfonică a Guvernatorului din Ryazan, dirijată de Serghei Oselko, 2015); a participat la Festivalul de Operă Montecatini Terme - St. Petersburg împreună cu baritonul Pedro Carrillo și pianista Laura Pasqualetti (Italia, 2015).
Evgenia Segenyuk
Evgenia Segenyuk s-a născut la Moscova într-o familie de muzicieni. A absolvit cu onoare dirijorul-cor (1994), apoi facultatea vocală (1996) a Academiei Ruse de Muzică Gnessin. În timpul studiilor, a fost bursier al Knowledge Foundation. În 1998 a absolvit cu onoare stagiul de asistent al facultății vocale a Academiei Ruse de Muzică Gnessin (profesor - L. I. Dudareva).
În 1997, Evgenia a fost invitată în trupa de stagiari a Teatrului Bolșoi, iar în 1999 s-a alăturat părții principale a trupei de operă.
Repertoriul ei include roluri din Viața lui Glinka pentru țar (Vanya), Eugene Onegin (Olga), Regina de pică (Polina, contesa), Oprichnik (Fyodor Basmanov) de Ceaikovski, Fecioara zăpezii (Lel), Mireasa țarului (Lyubasha). ), Kashchei Nemuritorul (Kashcheevna) al lui Rimski-Korsakov), Jucatorul de noroc al lui Prokofiev (Mademoiselle Blanche), Îngerul de foc (Ghicătoarea) și Dragostea pentru trei portocale (Prițesa Clarice) de Prokofiev, Nabucco Verdi (Fenena), „Idiotul” de Weinberg (Epanchin), „Povestea lui Kai și Gerda” de Banevici (Regina Zăpezii), „Povestea preotului și a lucrătoarei sale Balda” de Pravednikov (Balda, premieră mondială) și alte roluri, precum și părți vocale în „Mica Liturghie solemnă” de Rossini, „Stabat Mater” de Pergolesi și Dvorak, Requiems de Mozart, Salieri, Verdi și Dvorak, în Simfonia a IX-a și Liturghie solemnă de Beethoven, cantata „Moscova” de Ceaikovski, în simfonie-cantata „Song of the Earth” de Mahler (balet cu același nume interpretat de Covent Garden Ballet Company în timpul unui turneu la Teatrul Bolshoi), Five Songs to Verses de Matilda Vezendo NK Wagner și alte lucrări.
Yevgenia Segenyuk a participat la premiera mondială a operei lui L. Desyatnikov Copiii lui Rosenthal (Wagner). La al IV-lea Festival de Operă A priori (2017) a participat la premiera rusă a operei lui Sibelius Fecioara din Turn (rolul Stăpânei Castelului). Ca actriță dramatică, a jucat rolul Katharite în baletul Tamashi (Spirit) pe muzica grupului KODO (2012).
În colaborare cu Larisa Golushkina, ea a scris scenariul și a pus în scenă piesa „Nikolai Golovanov. Secret". Producția se bazează pe romanțele compozitorului interpretate de Yevgenia Segenyuk. În special pentru cântăreață, compozitoarea Valeria Besedina a scris rolul Ecaterinei cea Mare din opera The Changeling (Împărăteasa).
Yevgenia Segenyuk a cântat sub bagheta unor dirijori cunoscuți, printre care Yevgeny Svetlanov, Yuri Bashmet, Graham Bond, Alexander Vilyumanis, Michal Klauza, Olli Mustonen, Valery Polyansky, Gintaras Rinkevičius, Gennady Rozhdestvensky, Vladimir Fedoseyev, Mark Ermler. Ea a colaborat cu regizorii B. Pokrovsky, E. Arie, D. Belyanushkin, L. Dodin, S. Zhenovach, F. Zambello, P. Konvichny, E. Nyakroshyus, A. Sokurov, A. Titel, R. Tuminas, P. Ustinov, V. Fokin. Participant la proiectul lui O. Naydenyshev „Rock and Opera”.
Cântăreața are un vast repertoriu cameral, interpretează constant cu programe solo; excursii în Rusia și în străinătate - în Marea Britanie, Italia, Grecia, Norvegia, Danemarca, Finlanda, Polonia, Slovenia, Letonia, Ucraina, Maroc, Iordania, Coreea de Sud, Hong Kong, Japonia. Ea a participat în mod repetat la concertele autorului lui Tihon Hrennikov și la înregistrarea lucrărilor sale, primind laude din partea criticilor ruși și străini.
Evgenia Segenyuk a predat la Academia Rusă de Muzică Gnessin.
Laureat al Premiului Consiliului de Administrație al Teatrului Bolșoi (2005), câștigător al Concursului Open All-Russian Leader of the Year 2007 (în nominalizarea pentru cel mai bun cântăreț de operă), câștigător al XVII-lea Festival-Concurs internațional Musica Classica printre cântăreți profesioniști (Marele Prix, 2015).
Yuri Rostotsky
Yuri Rostotsky a absolvit cu onoruri academia rusă de muzică numită după Gnesins în 2014 cu o diplomă în artă vocală (clasa Svetlana Gorenkova). Și-a îmbunătățit abilitățile în programul pentru tineri cântăreți Oper Oder Spree (Germania, 2014) și în celebra școală de canto Accademia Rossiniana (Italia, 2017) sub îndrumarea lui Ernesto Palacio. A participat la cursuri de master susținute de Galina Vishnevskaya, Juan Diego Flores, Vazha Chachava, Robert Gambill, Deborah York, Valentina Levko, Fabio Sartori. Bursier repetat al Ministerului Culturii al Federației Ruse.
Cântăreața a fost distinsă cu premii la al IX-lea Concurs Internațional al Cântăreților de Operă numit după Claudia Taev din Estonia (premiul III, 2015), al X-lea Concurs Internațional al Cântăreților de Operă Elena Obraztsova din Sankt Petersburg (diplomă, 2015), al I Concurs de la Moscova al Tenori poartă numele lui Ivan Kozlovsky (premiul III și premiul special 2011), a IX-a Concurs Internațional de Vocal numit după Zara Dolukhanova „Amber Nightingale” din Kaliningrad (premiul II și premiul special, 2010).
În 2015–2018 - solist al teatrului din Moscova „Noua Operă” numit după Evgeny Kolobov. Din 2018, este solist principal al Teatrului Muzical din Sankt Petersburg Through the Looking Glass. La teatru, ea interpretează rolurile din Lindoro (Fata italiană a lui Rossini în Algeria), Ferrando (Fata asta de la Mozart), Ramiro (Cenuşăreasa lui Rossini), Nemorino (Poțiunea de dragoste a lui Donizetti), Berendey (Căstasa zăpezii a lui Rimsky-Korsakov). ), Lensky („Eugene Onegin” de Ceaikovski).
În 2016 a debutat ca Belfiore (Grădinarul Imaginar al lui Mozart) la Berlin cu Orchestra Simfonică din Berlin, a interpretat părțile de tenor în Masa lui Schubert în mi bemol major la Nürnberg cu Orchestra Simfonică din Nuremberg și în oratoriul Mesia al lui Händel cu Orchestra Musica Viva în Moscova. În 2017 a interpretat rolul Brighella (Ariadne auf Naxos de Richard Strauss) împreună cu Orchestra de Stat a Rusiei (dirijor Vladimir Yurovsky). În mod regulat interpretează rolul de tenor în cantata teatrală a lui Orff Carmina Burana.
În 2018, cântăreața a interpretat rolul lui Samson în oratoriul cu același nume al lui Händel cu Orchestra Națională a Rusiei, a participat la interpretarea „Odei bucuriei” din finala Simfoniei a IX-a a lui Beethoven împreună cu orchestra Noua Rusia și a cântat rolul de tenor în Liturghia Mare a lui Bach împreună cu Orchestra de cameră „Virtuoșii din Moscova” De-a lungul anilor, a interpretat și părțile din Damon (Acis și Galatea de Handel, dirijate de Peter Neumann), Tânărul țigan (Aleko de Rahmaninov), tenorul din Veghea toată noaptea de Rahmaninov, Requiem și Liturghia de încoronare a lui Mozart.
În sezonul 2018/2019, Yuri a interpretat părțile din Lindoro (Fata italiană a lui Rossini în Algeria) la Festivalul de' Bardi van Nederland (Olanda, 2019), Tebaldo (Montagii lui Bellini și Capuleti) la Festivalul Internațional de Muzică de Operă PromFest din Pärnu ( Estonia, 2019). Cântăreața a jucat și ca evanghelist și tenor în Pasiunea după Ioan și Pasiunea după Matei, într-o serie de concerte în Țările de Jos, Moscova și Nijni Novgorod (dirijor Jorn Boysen). În vara anului 2019, a participat la „Festivalul Artei Ruse” de la Deauville (Franța) alături de vedetele baletului rusesc.
Mihail Biriukov
Mihail Biriukov Absolvent al Facultății de Muzică și Pedagogică a Universității Pedagogice din Moscova (clasa S. M. Kaznacheev).
Din 2012 - solist al Corului Academic de Stat Rus, numit după A.V. Sveshnikov.
În 2013 a intrat în Centrul de Operă Galina Vishnevskaya, unde a studiat sub îndrumarea lui A. S. Belousova și E. A. Zaremba. Pe scena Centrului a debutat în rolul lui Zaretsky în opera lui Ceaikovski Eugene Onegin, ulterior cântând în această operă în rolul Gremin și Rotny, cântând, de asemenea, în spectacolele Iolanta de Ceaikovski (Regele Rene, Bertrand), Ruslan și Lyudmila (Prințul) de Glinka. Svetozar), Boris Godunov (executor judecătoresc) al lui Mussorgski, Mireasa țarului de Rimski-Korsakov (Malyuta Skuratov), Rigoletto al lui Verdi (Monterone), Carmen (Zuniga) a lui Bizet și alte producții. De asemenea, în repertoriul artistului se află și părțile lui Varlaam și Pimen în Boris Godunov, Sparafuchil în Rigoletto, Collin în La bohème de Puccini, Mephistopheles în Faust de Gounod, rolul de bas în Requiem de Mozart și în Simfonia a IX-a a lui Beethoven.
În 2014, Mihail Biryukov a participat la al II-lea Festival Internațional Mstislav Rostropovici de la Orenburg, festivalul Imperiul Operei de la Moscova, un festival dedicat aniversării a 120 de ani de la înființarea Muzeului-Rezervație Muzical Memorial de Stat al lui P. I. Ceaikovski din Klin.
Biografia lui Gluck este interesantă pentru înțelegerea istoriei dezvoltării muzica clasica. Acest compozitor a fost un reformator major al spectacolelor muzicale, ideile sale au fost înaintea timpului lor și au influențat munca multor alți compozitori din secolele al XVIII-lea și al XIX-lea, inclusiv a celor ruși. Datorită lui, opera a căpătat un aspect mai armonios și o completitudine dramatică. În plus, a lucrat la balete și mici compoziții muzicale - sonate și uverturi, care prezintă, de asemenea, un interes considerabil pentru interpreții contemporani, care includ de bunăvoie fragmentele lor în programele de concerte.
Anii tinereții
Biografia timpurie a lui Gluck nu este bine cunoscută, deși mulți savanți investighează activ copilăria și adolescența lui. Se știe cu încredere că s-a născut în 1714 în Palatinat în familia unui pădurar și a fost educat acasă. De asemenea, aproape toți istoricii sunt de acord că deja în copilărie a arătat abilități muzicale remarcabile și a știut să cânte la instrumente muzicale. Cu toate acestea, tatăl său nu a vrut să devină muzician și l-a trimis la gimnaziu.
Cu toate acestea, viitorul a vrut să-și conecteze viața cu muzica și, prin urmare, a plecat de acasă. În 1731 s-a stabilit la Praga, unde a cântat la vioară și violoncel sub conducerea celebrului compozitor și teoretician ceh B. Chernogorsky.
perioada italiana
Biografia lui Gluck poate fi împărțită condiționat în mai multe etape, alegând ca criteriu locul de reședință, munca și activitatea creativă activă. În a doua jumătate a anilor 1730 a venit la Milano. În acest moment, unul dintre cei mai importanți italieni autorii muzicali a fost G. Sammartini. Sub influența sa, Gluck a început să scrie propriile sale compoziții. Potrivit criticilor, în această perioadă de timp a stăpânit așa-numitul stil homofonic - o direcție muzicală, care se caracterizează prin sunetul unei teme principale, în timp ce restul joacă un rol secundar. Biografia lui Gluck poate fi considerată extrem de bogată, deoarece a muncit din greu și activ și a adus o mulțime de lucruri noi muzicii clasice.
Stăpânirea stilului omofonic a fost o realizare foarte importantă a compozitorului, întrucât polifonia domina școala muzicală europeană a vremii în cauză. În această perioadă, el creează o serie de opere („Demetrius”, „Por” și altele), care, în ciuda imitației lor, îi aduc faimă. Până în 1751 a făcut turnee cu un grup italian, până când a primit o invitație de a se muta la Viena.
Reforma Operei
Christoph Gluck, a cărui biografie ar trebui să fie indisolubil legată de istoria formării artei operistice, a făcut mult pentru a reforma această performanță muzicală. În secolele XVII-XVIII, opera era un spectacol muzical magnific cu o muzică frumoasă. S-a acordat multă atenție nu atât conținutului, cât și formei.
Adesea, compozitorii scriau exclusiv pentru o anumită voce, fără să le pese de intriga și încărcătura semantică. Gluck s-a opus ferm acestei abordări. În operele sale, muzica era subordonată dramei și experiențelor individuale ale personajelor. În lucrarea sa Orfeu și Eurydice, compozitorul a combinat cu pricepere elemente de tragedie antică cu numere corale și spectacole de balet. Această abordare a fost inovatoare pentru timpul său și, prin urmare, nu a fost apreciată de contemporani.
perioada Viena
Unul din secolul al XVIII-lea este Christoph Willibald Gluck. Biografia acestui muzician este importantă pentru înțelegerea formării școlii clasice pe care o cunoaștem astăzi. Până în 1770 a lucrat la Viena la curtea Mariei Antonieta. În această perioadă, principiile sale creative au luat contur și au primit expresia lor finală. Continuând să lucreze în genul operei comice tradiționale pentru acea vreme, a creat o serie de opere originale în care a subordonat muzica sensului poetic. Printre acestea se numără lucrarea „Alceste”, creată după tragedia lui Euripide.
În această operă, uvertura, care avea un sens independent, aproape distractiv pentru alți compozitori, a căpătat o mare încărcătură semantică. Melodia ei a fost împletită organic în intriga principală și a dat tonul întregii performanțe. Acest principiu a fost ghidat de adepții și muzicienii săi din secolul al XIX-lea.
scena Parisului
Anii 1770 sunt considerați cei mai plini de evenimente din biografia lui Gluck. rezumat istoria lui trebuie să includă în mod necesar o mică descriere a participării sale la disputa care a izbucnit în cercurile intelectuale pariziene despre cum ar trebui să fie opera. Disputa a fost între susținătorii școlilor franceze și italiene.
Primul a susținut necesitatea de a aduce dramatism și armonie semantică într-un spectacol muzical, în timp ce cel de-al doilea a subliniat vocea și improvizațiile muzicale. Gluck a apărat primul punct de vedere. Urmând principiile sale creative, a scris o nouă operă bazată pe piesa lui Euripide Iphigenia in Tauris. Această lucrare a fost recunoscută ca fiind cea mai bună din opera compozitorului și i-a întărit faima europeană.
Influență
În 1779, din cauza unei boli grave, compozitorul Christopher Gluck s-a întors la Viena. Biografia acestui talentat muzician nu poate fi imaginată fără a menționa ultimele sale lucrări. Chiar și atunci când este grav bolnav, a compus o serie de ode și cântece pentru pian. În 1787 a murit. A avut mulți adepți. Compozitorul însuși îl considera pe A. Salieri cel mai bun elev al său. Tradițiile stabilite de Gluck au devenit baza lucrării lui L. Beethoven și R. Wagner. În plus, mulți alți compozitori l-au imitat nu numai în compunerea de opere, ci și în simfonii. Dintre compozitorii ruși, M. Glinka a apreciat foarte mult opera lui Gluck.
K. V. Gluck este un mare compozitor de operă care a jucat în a doua jumătate a secolului al XVIII-lea. reforma opera-seria italiană și tragedia lirică franceză. Marea operă mitologică, aflată într-o criză acută, a dobândit în opera lui Gluck calitățile unei veritabile tragedii muzicale, plină de pasiuni puternice, ridicând idealurile etice ale fidelității, datoriei, pregătirii pentru sacrificiu de sine. Apariția primei opere reformiste „Orfeu” a fost precedată de mult – lupta pentru dreptul de a deveni muzician, rătăcitor, stăpânind diverse genuri de operă ale acelei vremuri. Gluck a trăit o viață uimitoare, dedicându-se în întregime teatrului muzical.
Gluck s-a născut într-o familie de pădurar. Tatăl a considerat profesia de muzician o ocupație nedemnă și a interferat în orice mod posibil cu hobby-urile muzicale ale fiului său cel mare. Prin urmare, în adolescență, Gluck pleacă de acasă, rătăcește, visează să obțină o educație bună (în acest moment a absolvit colegiul iezuit din Kommotau). În 1731, Gluck a intrat la Universitatea din Praga. Un student al Facultății de Filosofie a dedicat mult timp studiilor muzicale - a luat lecții de la celebrul compozitor ceh Boguslav Chernogorsky, a cântat în corul Bisericii Sf. Iacov. Rătăcirile prin împrejurimile Pragai (Gluk a cântat de bunăvoie la vioară și mai ales iubitul său violoncel în ansambluri rătăcitoare) l-au ajutat să se familiarizeze mai mult cu muzica populară cehă.
În 1735, Gluck, deja un muzician profesionist consacrat, a călătorit la Viena și a intrat în serviciul corului contelui Lobkowitz. Curând, filantropul italian A. Melzi ia oferit lui Gluck un loc de muncă ca muzician de cameră în capela curții din Milano. În Italia începe calea lui Gluck ca compozitor de operă; se familiarizează cu opera celor mai mari maeștri italieni, se ocupă de compoziție sub conducerea lui G. Sammartini. a durat aproape 5 ani etapa pregătitoare; Abia în decembrie 1741, prima opera a lui Gluck, Artaxerxes (libre P. Metastasio) a fost pusă în scenă la Milano. Gluck primește numeroase comenzi de la teatrele din Veneția, Torino, Milano, iar în patru ani mai creează câteva serii de operă („Demetrius”, „Poro”, „Demofont”, „Hypermnestra”, etc.), care i-au adus faimă și recunoaștere. de la un public italian destul de sofisticat și exigent.
În 1745, compozitorul a făcut un turneu la Londra. Oratoriile lui G. F. Handel i-au făcut o impresie puternică. Această artă sublimă, monumentală, eroică a devenit pentru Gluck cel mai important punct de referință creativ. Un sejur în Anglia, precum și spectacolele cu trupa italiană de operă a fraților Mingotti în marile capitale europene (Dresda, Viena, Praga, Copenhaga) au îmbogățit experiența muzicală a compozitorului, au ajutat la stabilirea de contacte creative interesante și la cunoașterea diverselor opere. scoli mai bine. Autoritatea lui Gluck în lumea muzicii a fost recunoscută prin acordarea lui Ordinul papal Pintenul de Aur. „Cavalier Glitch” - acest titlu a fost atribuit compozitorului. (Să ne amintim minunata nuvelă de T. A. Hoffmann „Cavalier Gluck”.)
O nouă etapă în viața și opera compozitorului începe cu mutarea la Viena (1752), unde Gluck a preluat în curând postul de dirijor și compozitor al operei de curte, iar în 1774 a primit titlul de „compozitor real al curții imperiale și regale. ." Continuând să compună opere seriale, Gluck a apelat și la noi genuri. Operele comice franceze (Insula lui Merlin, Sclavul imaginar, Bețivul corectat, Cady păcălit etc.), scrise pe textele celebrilor dramaturgi francezi A. Lesage, C. Favard și J. Seden, au îmbogățit stilul compozitorului cu noi intonații, tehnici compoziționale, au răspuns nevoilor ascultătorilor în arta direct vitală, democratică. Munca lui Gluck în genul baletului este de mare interes. În colaborare cu talentatul coregraf vienez G. Angiolini, a fost creat baletul de pantomimă Don Giovanni. Noutatea acestei performanțe - o adevărată dramă coregrafică - este în mare măsură determinată de natura intrigii: nu tradițional fabuloasă, alegoric, ci profund tragică, puternic conflictuală, care afectează eternele probleme ale existenței umane. (Scenariul baletului a fost scris pe baza piesei lui J. B. Molière.)
Cel mai important eveniment din evoluția creativă a compozitorului și din viața muzicală a Vienei a fost premiera primei opere reformiste – Orfeu (1762).drama antică strictă și sublimă. Frumusețea artei lui Orfeu și puterea iubirii sale sunt capabile să depășească toate obstacolele - această idee eternă și mereu incitantă stă la baza operei, una dintre cele mai perfecte creații ale compozitorului. În ariile lui Orfeu, în celebrul solo de flaut, cunoscut și în numeroase versiuni instrumentale sub denumirea de „Melodie”, s-a dezvăluit darul melodic original al compozitorului; iar scena de la porțile lui Hades - duelul dramatic dintre Orfeu și Furii - a rămas un exemplu remarcabil de construcție a unei forme operistice majore, în care s-a atins unitatea absolută a dezvoltării muzicale și scenice.
Orfeu a fost urmat de încă 2 opere reformiste - Alcesta (1767) și Paris și Elena (1770) (ambele în libre. Calcabidgi). În prefața la „Alceste”, scrisă cu ocazia dedicării operei ducelui de Toscana, Gluck a formulat principiile artistice care i-au călăuzit întreaga activitate creatoare. Negăsind sprijinul adecvat din partea publicului vienez și italian. Gluck merge la Paris. Anii petrecuți în capitala Franței (1773-79) sunt perioada celei mai înalte activități creatoare a compozitorului. Gluck scrie și pune în scenă noi opere reformiste la Academia Regală de Muzică - „Iphigenia in Aulis” (libre. L. du Roulle după tragedia de J. Racine, 1774), „Armida” (libre. F. Kino după poem „Ierusalim eliberat” de T. Tasso ”, 1777), „Iphigenia în Tauris” (libre. N. Gniyar și L. du Roulle după drama lui G. de la Touche, 1779), „Echo și Narcis” ( libre. L. Chudi, 1779), reface „Orfeu” și „Alceste”, în conformitate cu tradițiile teatrului francez. Activitatea lui Gluck a stârnit viața muzicală a Parisului și a provocat cele mai ascuțite discuții estetice. De partea compozitorului se află iluminatorii francezi, enciclopediști (D. Diderot, J. Rousseau, J. d'Alembert, M. Grimm), care au salutat nașterea unui stil eroic cu adevărat înalt în operă; adversarii săi sunt adepți ai vechii tragedii lirice și ai operei seriale franceze. În efortul de a zgudui poziția lui Gluck, l-au invitat la Paris pe compozitorul italian N. Piccinni, care se bucura de recunoaștere europeană la acea vreme. Controversa dintre susținătorii lui Gluck și Piccinni a intrat în istoria operei franceze sub numele de „războaiele lui Glucks și Piccinni”. Compozitorii înșiși, care s-au tratat cu sinceră simpatie, au rămas departe de aceste „bătălii estetice”.
În ultimii ani ai vieții sale, care au trecut la Viena, Gluck a visat să creeze o operă națională germană bazată pe intriga lui F. Klopstock „Bătălia de la Hermann”. Cu toate acestea, bolile grave și vârsta au împiedicat implementarea acestui plan. În timpul înmormântării lui Glucks de la Viena, a fost interpretată ultima sa lucrare „De profundls” („Chem din abis...”) pentru cor și orchestră. Studentul lui Gluck, A. Salieri, a condus acest recviem original.
G. Berlioz, un pasionat admirator al operei sale, l-a numit pe Gluck „Eschylus of Music”. Stilul tragediilor muzicale lui Gluck - frumusețea și noblețea sublimă a imaginilor, impecabilitatea gustului și unitatea întregului, monumentalitatea compoziției, bazată pe interacțiunea formelor solo și corale - se întoarce la tradițiile tragediei antice. . Create în perioada de glorie a mișcării iluministe din ajunul Revoluției Franceze, ele au răspuns nevoilor vremii în marea artă eroică. Așadar, Diderot scria cu puțin timp înainte de sosirea lui Gluck la Paris: „Să apară un geniu care va stabili o adevărată tragedie... pe scena lirică”. După ce și-a propus „să alunge din operă toate acele excese rele împotriva cărora bunul simț și bunul gust protestează în zadar de mult timp”, Gluck creează o performanță în care toate componentele dramaturgiei sunt din punct de vedere logic oportune și interpretează sigur, funcțiile necesare în compoziția generală. „... Am evitat să demonstrez o grămadă de dificultăți spectaculoase în detrimentul clarității”, spune dedicația Alceste, „și nu acordam nicio valoare descoperirii unei noi tehnici dacă nu decurgea firesc din situație și era nu este asociat cu expresivitatea.” Astfel, corul și baletul devin participanți deplini la acțiune; recitativele expresive intonaționale se îmbină în mod natural cu arii, a căror melodie este liberă de excesele unui stil virtuos; uvertura anticipează structura emoțională a acțiunii viitoare; numerele muzicale relativ complete sunt combinate în scene mari etc. Selecția și concentrarea dirijată a mijloacelor de caracterizare muzicală și dramatică, subordonarea strictă a tuturor legăturilor unei mari compoziții - acestea sunt cele mai importante descoperiri ale lui Gluck, care au fost de mare importanță atât pentru actualizarea operei. dramaturgie şi pentru stabilirea uneia noi, gândirea simfonică. (Perioada de glorie a creativității operistice a lui Gluck cade în timpul dezvoltării celei mai intense a formelor ciclice mari - simfonia, sonata, conceptul.) Un contemporan mai vechi al lui I. Haydn și WA Mozart, strâns legat de viața muzicală și artistică. atmosfera Vienei. Gluck, și în ceea ce privește depozitul individualității sale creatoare, și în ceea ce privește orientarea generală a căutărilor sale, se învecinează tocmai școlii clasice vieneze. Tradițiile „înaltei tragedie” a lui Gluck, noile principii ale dramaturgiei sale au fost dezvoltate în arta operă a secolului al XIX-lea: în lucrările lui L. Cherubini, L. Beethoven, G. Berlioz și R. Wagner; iar în muzica rusă - M. Glinka, care l-a apreciat foarte mult pe Gluck ca primul compozitor de operă al secolului al XVIII-lea.
I. Okhalova
Fiu de pădurar ereditar, încă de mic, își însoțește tatăl în numeroasele sale călătorii. În 1731 a intrat la Universitatea din Praga, unde a studiat arta vocală și a cântat la diferite instrumente. Fiind în slujba prințului Melzi, locuiește la Milano, ia lecții de compoziție de la Sammartini și montează o serie de opere. În 1745, la Londra, i-a cunoscut pe Handel și Arne și a compus pentru teatru. Devenind directorul trupei italiene Mingotti, el vizitează Hamburg, Dresda și alte orașe. În 1750 se căsătorește cu Marianne Pergin, fiica unui bancher vienez bogat; în 1754 a devenit director de trupă al Operei Curții din Viena și a făcut parte din anturajul contelui Durazzo, care conducea teatrul. În 1762, opera lui Gluck Orfeu și Eurydice a fost montată cu succes pe un libret de Calzabidgi. În 1774, după mai multe eșecuri financiare, o urmează pe Maria Antonieta (căreia i-a fost profesor de muzică), devenită regina Franței, la Paris și câștigă favoarea publicului în ciuda rezistenței piccinistelor. Supărat însă de eșecul operei „Eco și Narcis” (1779), părăsește Franța și pleacă la Viena. În 1781, compozitorul a fost paralizat și a încetat toate activitățile.
Numele lui Gluck este identificat în istoria muzicii cu așa-numita reformă a dramei muzicale de tip italian, singura cunoscută și răspândită în Europa la vremea lui. Este considerat nu doar un mare muzician, ci mai presus de toate salvatorul unui gen deformat în prima jumătate a secolului al XVIII-lea de decorațiunile virtuoase ale cântăreților și regulile libretelor convenționale, bazate pe mașini. În zilele noastre, poziția lui Gluck nu mai pare excepțională, întrucât compozitorul nu a fost singurul creator al reformei, nevoia căreia a fost simțită de alți compozitori și libretiști de operă, în special italieni. Mai mult decât atât, noțiunea de declin al dramei muzicale nu se poate aplica la apogeul genului, ci doar compozițiilor de calitate scăzută și autorilor cu puțin talent (este greu să învinovățim un astfel de maestru precum Händel pentru declin).
Oricum ar fi, îndemnat de libretistul Calzabigi și de alți membri ai anturajului contelui Giacomo Durazzo, managerul teatrelor imperiale din Viena, Gluck a introdus în practică o serie de inovații, care au dus, fără îndoială, la rezultate majore în domeniul teatrului muzical. . Calcabidgi a amintit: „I-a fost imposibil ca domnul Gluck, care vorbea limba noastră [adică italiană], să recite poezie. I-am citit pe Orfeu si i-am recitat multe fragmente de mai multe ori, punand in evidenta nuantele recitatii, opriri, incetinirea, accelerarea, sunete acum grele, acum lin, pe care voiam sa le foloseasca in compozitia lui.In acelasi timp, am intrebat. el să înlăture toate grațiile, cadențele, ritornelele și tot acel barbar și extravagant care a pătruns în muzica noastră.