Igor Stravinsky es un gran compositor, intérprete y director de orquesta ruso, brillante representante modernismo en la música. Por derecho, es considerado una de las figuras más significativas del arte mundial del siglo XX.
Infancia y juventud
En 1882, Igor Stravinsky nació cerca de San Petersburgo. Sus padres estaban directamente relacionados con la música: papá Fyodor era solista en el Teatro Mariinsky y era un artista de honor. Imperio ruso, su madre Anna es pianista, acompañaba a su marido. Igor creció entre un flujo interminable de invitados, incluidos escritores, artistas, músicos. El padre del niño era amigo de.
Por primera vez al piano, el futuro genio se sentó a la edad de 9 años. Después de graduarse de la escuela secundaria, los padres arreglaron para Igor en la Universidad de San Petersburgo, donde el joven estudió abogado. Stravinsky estudió música por su cuenta, luego comenzó a tomar lecciones privadas.
Igor le debe su amistad a su hijo Vladimir, quien también estudió derecho. Rimsky-Korsakov quedó impresionado por el talento de Stravinsky y le aconsejó que no ingresara al conservatorio, ya que el joven tenía suficientes conocimientos. El mentor enseñó principalmente a Igor las habilidades de orquestación y corrigió sus obras. Gracias a su influencia consiguió que se interpretara la música de su alumno.
Música
En 1908, la orquesta de la corte interpretó dos obras de Stravinsky: Fauno y pastora y Sinfonía en mi bemol mayor. Al año siguiente, llegó a interpretar su scherzo orquestal: quedó tan asombrado por el talento del joven compositor que inmediatamente lo conoció y encargó varios arreglos para el ballet ruso en París. Un año después, Diaghilev recurre nuevamente a Stravinsky y le encarga un acompañamiento musical para el nuevo ballet El pájaro de fuego.
El estreno tuvo lugar en el verano de 1910: un éxito increíble convirtió instantáneamente a Stravinsky en el representante más talentoso de la nueva generación. autores musicales. El Firebird fue el comienzo de una fructífera colaboración entre Igor y la compañía Diaghilev. La próxima temporada ya se abre con el ballet Petrushka, con partitura de Stravinsky y el magnífico Vaslav Nijinsky en el papel principal.
Inspirado por el éxito, el compositor decidió escribir una especie de ritual sinfónico, que en 1913 hizo mucho ruido en el teatro parisino. Esta obra fue La consagración de la primavera. La audiencia durante el estreno se dividió en dos campos: algunos estaban indignados por el baile ambiguo y la música audaz, el último dio la bienvenida a la producción original. Los testigos dijeron que los bailarines no podían escuchar la orquesta, un estruendo tan fuerte estaba en la sala.
Vaslav Nijinsky en Petrushka de Stravinsky A partir de ese día, Stravinsky fue llamado el compositor de ese mismo "Rito de la Primavera" y un modernista destructivo. Igor deja su ciudad natal, junto con su esposa e hijos, en 1910 se instala en Francia.
Sin embargo, la Primera guerra Mundial anuló las "Temporadas rusas" en París y terminaron las generosas tarifas. En 1914, la pareja Stravinsky terminó en Suiza prácticamente sin medios de subsistencia. En esos días, a menudo recurre a motivos populares rusos, cuentos de hadas.
En ese momento, la música que escribió Stravinsky se había vuelto más ascética, sobria, pero increíblemente rítmica. En 1914, comenzó a trabajar en el ballet Les Noces, que logró completar solo en 1923. Estaba basado en canciones rurales rusas que se interpretaban en bodas y bodas. En 1920, la última obra maestra, Sinfonía para vientos, fue escrita en estilo ruso.
Después de eso, el sabor nacional desapareció de su obra y comenzó a trabajar en estilo neoclásico. Además, el compositor interpreta música europea antigua y otros estilos históricos interesantes. Desde 1924, Igor Stravinsky dejó de escribir y actuó como pianista y director de orquesta. Después de la Segunda Guerra Mundial, sus conciertos se hicieron muy populares.
Al mismo tiempo, se reanudaron las estaciones rusas, pero a un nivel modesto. El último ballet que crearon Diaghilev y Stravinsky fue Apollon Musagete, que se estrenó en 1928. Un año después, Diaghilev muere y la compañía se disuelve.
El año 1926 fue un punto de inflexión en el destino de Stravinsky, experimentó una transformación espiritual que, por supuesto, tuvo un impacto en su obra. Los motivos religiosos aparecen en su "Edipo Rey", en la cantata "Sinfonía de los Salmos". Los libretos de estas obras están escritos en latín. En 1939 fue invitado a la Universidad de Harvard en Estados Unidos, donde leyó una serie de conferencias "Poética musical".
En los años cincuenta apareció en Europa una vanguardia que rechazaba el neoclasicismo tan querido por Stravinsky, y Stravinsky experimentó una crisis musical. La gran depresión en la que se encontraba Igor, terminó con varios trabajos experimentales: "Cantata", "In Memory of Dylan Thomas".
Siguió trabajando, a pesar de un derrame cerebral, hasta 1966, el último trabajo fue Réquiem. Esta obra increíblemente delicada, escrita por el compositor a la edad de 84 años, fue un testimonio del gran talento y la energía inagotable de Stravinsky.
Vida personal
Igor Stravinsky en 1906 se casó con su prima Ekaterina Nosenko. El gran amor de los jóvenes no detuvo la presencia de sangre nativa, nacieron 4 hijos en el matrimonio: los niños Svyatoslav y Fedor y las niñas Lyudmila y Milena. Los hijos se convirtieron en figuras culturales destacadas: Svyatoslav, un virtuoso compositor y pianista, Fedor, un artista. La biografía de Lyudmila Stravinskaya es interesante porque se convirtió en la esposa del poeta Yuri Mandelstam.
Catherine sufría de tisis, por lo que la familia se fue a Suiza a pasar el invierno: el aire húmedo de San Petersburgo no permitía que la mujer respirara. En 1914, los Stravinsky no lograron regresar de Suiza a Rusia en la primavera debido al estallido de la Primera Guerra Mundial, y luego a causa de la revolución. La propiedad y el dinero que quedaba en su ciudad natal fueron arrebatados a la familia.
Igor se tomó muy en serio este desastre: además de Catherine y sus hijos, apoyó a su madre, hermana y sobrinos. En Rusia, durante los meses de la revolución, se creó la anarquía en todas las áreas, y el compositor ya no recibió regalías por la interpretación de las obras debido a su emigración. Para mantener de alguna manera a su familia, Stravinsky tuvo que lanzar nuevas ediciones de sus obras.
Las leyendas y los rumores no pasaron por alto la vida personal de Igor: se le atribuye relación amorosa Con . Ella extendió una mano amiga a Stravinsky en el momento en que se quedó completamente sin dinero. Durante dos años, Igor y su familia vivieron en la villa de Mademoiselle, ella patrocinó sus actuaciones, alimentó y vistió a la familia.
Cuando la situación financiera de Stravinsky mejoró y se fue de la casa de Chanel, ella le envió dinero todos los meses durante otros 13 años; este hecho inusual se convirtió en la base de la leyenda sobre la novela entre el diseñador francés y el compositor ruso. En 2009 se estrenó el largometraje Coco Chanel e Igor Stravinsky, dedicado a esta relación.
En 1939, Ekaterina Stravinskaya murió, y un año después, tras mudarse a Estados Unidos, el músico se casó por segunda vez con Vera Sudeikina, una actriz de cine mudo. Juntos, Vera e Igor vivieron durante 50 años, tratando de no separarse ni un minuto. En 1962, un matrimonio visitó país de origen- en Moscú y Leningrado, la reunión se mostró por televisión.
Muerte
El compositor falleció el 6 de abril de 1971, la causa de la muerte fue insuficiencia cardíaca. Su esposa Vera Arturovna lo enterró en Venecia, en la parte rusa del cementerio de San Michele, no lejos de la tumba de Diaghilev. Después de 11 años, la esposa será enterrada junto a su esposo.
El nombre de Stravinsky ha sido inmortalizado repetidamente: lo lleva la escuela de música de Oranienbaum, un barco turístico y un avión de Aeroflot. En honor a Stravinsky, cada año se celebra en Ucrania un festival internacional de música.
Discografía
- 1906 - "El fauno y la pastora"
- 1908 - "Scherzo fantástico"
- 1910 - ballet "El pájaro de fuego"
- 1911 - Ballet "Petrushka"
- 1913 - "La fuente sagrada, imágenes de la Rusia pagana en 2 partes"
- 1914 - cuento de hadas "Ruiseñor"
- 1918 - cuento de hadas "La historia de un soldado"
- 1920 - ballet "Pulcinella"
- 1922 - ópera "Mavra"
- 1923 - escenas coreográficas "Boda"
- 1927 - ópera "Edipo Rey"
- 1928 - ballet "Apolo Musagete"
- 1930 - "Sinfonía de los Salmos"
- 1931 - Concierto para violín D-dur
- 1942 - Bailes de concierto
- 1954 - "4 canciones rusas"
- 1963 - "Abraham e Isaac"
- 1966 - "Cantos a los Muertos"
Entrevista con Philip Hasher, 2009
Boulez establece analogías entre la obra de Stravinsky, Picasso y Kandinsky. Agregué algunas reproducciones para aclarar lo que quería decir Boulez. Y al mismo tiempo, tiene razón o no.
– Stravinsky comenzó a trabajar en los Cuatro estudios en 1914. ¿Se sintió en ese momento en una encrucijada, después del sensacional estreno del año pasado de La consagración de la primavera?
- En mi opinión, este es el período más interesante para Stravinsky, y todavía lamento que Stravinsky más tarde se interesó por el neoclasicismo en lugar de desarrollar lo que había planeado durante estos años. Por extraño que parezca, fue entonces cuando nacieron todas sus futuras obras maestras. Fue un período de búsqueda. Por ejemplo, los primeros tres estudios están magníficamente orquestados, incluso es difícil imaginar que Stravinsky los escribió originalmente para cuarteto de cuerda. El segundo estudio es una obra maestra absoluta, aquí apareció el humor que es tan orgánico para Stravinsky, agudo y certero. El resto de los estudios son, en cierto sentido, más tradicionales. La primera es algo así como una marcha rusa. Cierto, ya contiene esos ritmos irregulares que luego se escucharán en "Svadebka". Esto es maravilloso, porque de esta forma se pueden rastrear algunos de los orígenes de la Boda. El tercer estudio es un canto, en el que el sonido de los instrumentos de viento madera contrasta con el sonido de las cuerdas. A veces quiero tocar solo las tres primeras piezas, son muy homogéneas y el cuarto estudio difiere mucho de ellas. Si hablamos de todo el ciclo, entonces esta es una música completamente diferente.
– ¿Cuál es la peculiaridad del cuarto estudio?
- El cuarto estudio es una especie de boceto simple, Stravinsky hizo esas cosas a la perfección. Creo que Stravinsky se mostró mejor cuando tuvo que representar algo, contar algo. En "El pájaro de fuego", "Petrushka", "La consagración de la primavera", "La boda", actúa como narrador y lo consigue. Stravinsky tenía una buena imaginación. Pero cuando trató de escribir música "pura", lo hizo de manera menos convincente, ya que su pensamiento compositivo es diferente al de Beethoven, Brahms o Bruckner. El desarrollo de ideas puramente musicales no es su área.
- En 1919, Stravinsky comenzó a escribir "Pulcinella", su primera y, quizás, la mejor composición del período neoclásico. Una vez dijiste que el neoclasicismo es un callejón sin salida, pero ¿tal vez es una desviación del camino principal, interesante a su manera?
- No me parece. Pero "Pulcinella" - un caso especial porque es un juego. "Edipo Rey" no es un juego, "Apolo Musagete" no es un juego, Stravinsky es completamente serio en estas cosas. Con el artista más destacado de esa generación, Picasso, sucedió lo mismo. Tras las impactantes obras del período cubista, comienza a pintar mujeres en la playa. Comparado con pinturas anteriores, todo parecía patético. Hubo tiempos mejores: el período del magnífico "Guernica". Pero en los últimos años, cuando él, por así decirlo, hizo "transcripciones" de pinturas famosas, no sucedió nada impresionante. El camino de Picasso fue desigual. Como dicen, debes seguir tu propio camino solo si sube. Algo similar sucedió con Kandinsky. En mi opinión, sus mejores obras fueron creadas en 1911 y 1916, se caracterizan por una plasticidad absolutamente frenética. Obras escritas más tarde, durante los años de la Bauhaus, donde todo está subordinado a la geometría, ya no son las mismas.
Pablo Picasso. Chica con mandolina, 1910
Pablo Picasso. Bañistas, 1918
Pablo Picasso. Retrato de mujer (según Lucas Cranach), 1958
Wassily Kandinsky. Improvisación No. 21A, 1911
Wassily Kandinsky. Tensión suave, 1923
- Llamaste a "Pulcinella" un juego. ¿En qué se diferencia de las obras posteriores?
- Sí. Stravinsky no tomó los mejores fragmentos musicales de Pergolesi - es poco probable que los recuerdes la primera vez - y les dio una nueva vida. Es como si pintaras un viejo monumento con colores muy vivos, y luego ya no ves lo que había antes, solo ves colores. Me encanta dirigir Pulcinella, entonces me parece que tengo un juguete en las manos.
–¿Qué pasó en el cuarto de siglo que separó la Pulcinella y la Sinfónica en tres movimientos? ¿Queda algo de neoclasicismo en esta llamada sinfonía?
- Sí, por supuesto, la segunda parte es el neoclasicismo más puro y, en mi opinión, esta parte es la menos lograda. Las obras neoclásicas escritas después de Pulcinella: Edipo Rey, Apolo Musagetes, Naipes, en mi opinión, son exageradas y forzadas, no hay naturalidad en ellas. Es como intentar construir algo parecido a un templo griego sin una sola piedra.
– Pero no se puede decir que a Stravinsky se le negara la inspiración en esta Sinfonía.
En cuanto al ritmo, sí. Por supuesto, también hay algo de "straviniano común". Pero incluso Mozart y Beethoven tienen "lugares comunes" inherentes a ellos, esto es parte de su personalidad. Lo mejor de la Sinfonía es el primer movimiento y un fragmento del tercer movimiento, que se siente como si Stravinsky estuviera tratando de retratar algo. En la primera parte hay un lugar que recuerda a La consagración de la primavera, que es completamente inesperado. Cuando escuché la sinfonía por primera vez, fue en un concierto en Francia, después de la guerra, pensé: "¡Oh, hay un soplo de 'primavera' otra vez!"
– Hoy, ¿percibes la Pulcinella o la Sinfonía en tres movimientos de manera diferente a como la conociste?
– Hay un proverbio francés: “Solo los idiotas no cambian de opinión”, y en ese sentido soy un completo idiota, porque no he cambiado de opinión sobre estas dos cosas ni un ápice. Me gustaban y me siguen gustando.
Con su esposa fue de Riga a Londres en un velero. Por lo general, un viaje de este tipo no tomaba más de siete días, pero luego se prolongó durante tres semanas debido a una fuerte tormenta, en la que los aterrorizados y supersticiosos marineros culparon a los pasajeros. Para R. Wagner, este viaje se convirtió en una fuente de inspiración: fue capturado por el romance del mar. Cuando el barco llegó a la costa noruega, frente a un pueblo de pescadores, encontró un "escenario" adecuado para los acontecimientos de su futura ópera. También se encontró una trama adecuada: una historia corta de G. Heine "Memoirs of Herr von Schnabelevopsky", más precisamente, la trama de la novela del escritor inglés F. Marietta "Ghost Ship" contada en ella. Esta obra, que combina los rasgos de una novela gótica y marítima, se basó en la leyenda del "Holandés errante"... Pero si G. Heine cuenta esta historia con su habitual ironía, entonces R. Wagner se la toma muy en serio.
La leyenda del "Holandés errante", un barco fantasma sin hogar condenado a navegar los mares para siempre, se conoce en varias versiones, y R. Wagner eligió la más romántica de ellas: una vez cada siete años, el barco aterriza en la costa, y si el capitán conoce a una mujer que lo ama y le será fiel hasta la muerte, encontrará la paz.
R. Wagner escribió el libreto de la ópera El holandés errante en 1840 y se lo ofreció a L. Piye, director de la Gran Ópera de París. No quería tratar con un compositor desconocido, pero le gustó el libreto y ofreció quinientos francos por él, para que alguien más escribiera la música. R. Wagner, que necesitaba dinero desesperadamente, accedió, y la ópera, llamada El marinero errante, fue escrita por Pierre-Louis Diech, el principal director de coro del teatro, que nunca antes había creado óperas (a diferencia de R. Wagner, que en ese momento era el autor de cuatro obras en este género: "Hadas", "Novicio de Palermo", "Amor prohibido" y "Rienzi"). Sin embargo, R. Wagner, que se dejó llevar por la trama, no se avergonzó por esto: se puso a trabajar en la música de su "Flying Dutchman".
Si las óperas anteriores de R. Wagner fueron en muchos sentidos una imitación, entonces en la ópera The Flying Dutchman se declara por primera vez como un compositor establecido con su propia "escritura" - aquí por primera vez, aunque no en su totalidad, características que pueden llamarse verdaderamente wagneriano. Las arias, los dúos y los coros son todavía fragmentos relativamente completos, pero ya se puede sentir el deseo de superar esta redondez: los números se combinan en escenas dramáticas, y también sucede que el número mismo adquiere el significado de una escena, como, para ejemplo, el monólogo del holandés en el primer acto. inherente a la ópera y otros característica Drama musical wagneriano: un sistema de leitmotivs. Hay algunos más en esta ópera: la llamada del holandés, el tema de Senta. Aparecen por primera vez en la obertura, que no solo pinta un cuadro impresionante de un mar tormentoso, sino que también expresa de manera generalizada la idea de la ópera.
Abriendo nuevos caminos, la ópera El holandés errante continúa al mismo tiempo las tradiciones de la ópera romántica alemana fundada por K. M. Weber. Ésta consiste no sólo en referirse a la trama legendaria, sino también en la alternancia de escenas de carácter folklórico-cotidiano y fantásticas. Tanto en esos como en otros papel importante pertenece al coro, cuyo uso por parte del compositor está integrado en una especie de plan dramático: en el primer acto, solo el coro masculino (marineros), en el segundo, solo el coro femenino (hilanderos), en el tercer acto - Ambos, y solo en el final, aparecen mezclados. Las escenas corales no están aisladas de los números solistas; por ejemplo, el coro giratorio del segundo acto "fluye" directamente en la balada de Senta. La más dinámica es la extendida escena coral del tercer acto: el provocador coro de marineros “Helmsman! ¡Abajo del reloj!”, con reminiscencias de canciones populares alemanas, y el lúgubre coro de los marineros del barco fantasma “responde” a la más suave femenina.
R. Wagner completó la ópera El holandés errante en noviembre de 1841, pero el estreno tuvo lugar recién en enero de 1843. Esto sucedió en Dresde, donde la ópera anterior del compositor, Rienzi, fue un éxito, lo que se convirtió en el motivo del interés de la Dirección del Teatro de Dresde en la nueva obra de R. Wagner. Por una extraña coincidencia, en el mismo mes tuvo lugar la última - undécima - representación de "El marinero errante" de Pierre-Louis Ditch, que apareció gracias al libreto comprado a R. Wagner... Ambas óperas fueron muy fríamente recibido por el público - sin embargo, a "El marinero errante" aclamado por la crítica. El destino de las óperas (¡y de los compositores!) resultó ser el opuesto: El marinero errante ya no se representó y Pierre-Louis Dietsch, decepcionado por el fracaso, no creó otra ópera. El holandés errante de R. Wagner en los años siguientes se representó en Riga, Berlín, Zúrich, Praga y otras ciudades; la obra tuvo éxito, lo que la acompaña hasta el día de hoy, y R. Wagner creó muchas más óperas que desarrollan nuevos principios establecidos. abajo en El holandés errante.
Temporadas musicales
"Flying Dutchman" (del alemán "Der Fliegende Holländer")
es una ópera romántica. Música y libreto de Wilhelm Richard Wagner.
El estreno tuvo lugar el 2 de enero de 1843 en Dresde bajo la batuta del compositor.
La trama de la ópera se basa en una vieja leyenda de la historia. "Memorias de Herr von Schnabelevopsky"("Aus den Memoiren des Herren von Schnabelewopski") de Heinrich Heine. Una vez, el Capitán Straathen juró que siempre intentaría conquistar el inexpugnable Cabo de Buena Esperanza, incluso si tuviera que pasar una eternidad en él. Desde entonces, su barco estuvo condenado a vagar por mares y océanos. Solo una cosa podría salvar al holandés: una vez cada siete años, podría bajar a tierra en busca de una esposa fiel, y si pudiera encontrar una, sería perdonado. Si de repente la esposa resulta ser infiel a su esposo, ella también será maldita. Y luego, un día, el holandés nuevamente tuvo la oportunidad de salvar su alma. Por voluntad del destino, encuentra a una chica que se siente verdadera compasión a él. La boda se acerca, pero un fatal accidente arruina los planes del joven salvador y vagabundo: el maldito héroe presencia accidentalmente la conversación entre su novia y Eric, quien está enamorado de ella. Al holandés le parece que tampoco encontrará lealtad en Saintes. Pronto revela su terrible secreto sobre la maldición y se apresura a abandonar la orilla para salvarla. Pero como prueba de su lealtad, Senta se arroja al mar desde un acantilado. En el mismo momento, el maldito barco se hunde y se ven dos imágenes brillantes en la distancia: el Capitán Straaten y Senta.
Las escenas fantásticas están estrechamente entretejidas en la vida cotidiana de los personajes. Las fuerzas de la naturaleza juegan un papel especial: las imágenes de un mar tormentoso, el canto espeluznante de un equipo fantasmal causan una impresión vívida en el espectador. Exactamente ópera El holandés errante marca el estilo individual del compositor que se había formado en ese momento.
Historia de la creación.
Incluso tres años antes de la aparición de la ópera El holandés errante, una antigua leyenda atrajo la atención de Richard Wagner. Estaba profundamente conmovido por una tragedia romántica envuelta en un misterio siniestro. El interés por la historia se agravó especialmente después de un largo viaje en barco a Londres. Una terrible tormenta, formidables fiordos noruegos, cuentos de marineros: todo esto dibujó imágenes vívidas, como si reviviera a los héroes de una vieja leyenda. En 1840, Richard Wagner escribió un libreto basado en la trama de la novela. Enrique Heine. El compositor Louis Ditch compuso música para este texto en un año. Pero pronto Wagner se puso a trabajar de nuevo: finalizó su propio libreto y escribió su propio acompañamiento musical. estreno "Holandés errante" tuvo lugar en 1843, sin embargo, el reconocimiento llegó a la obra solo después de que Wagner obtuviera el éxito mundial.
Datos interesantes:
- En 1939, Richard Wagner huyó de los acreedores en el barco Thetis, con destino a Londres. El barco quedó atrapado en una fuerte tormenta. Fue entonces cuando el ritmo de la tormenta se hundió en el alma del compositor: escuchó el eco de las exclamaciones del equipo, que izaron las velas y echaron el ancla. Este ritmo sirvió de base para la canción marinera de El holandés errante.